Découvrez tout de suite l’interview photo de Lorenzo Accardi.

Avant tout, présente-toi en quelques mots

Bonjour, je m’appelle Lorenzo ACCARDI et j’ai 32 ans. Je suis né à Paris en 1980 et j’ai ensuite vécu mon enfance en Italie. Mon père étant italien, ma mère et moi l’avons suivi dans son pays, et j’y ai appris l’italien. Après la séparation de mes parents je suis retourné vivre en France à l’âge de 5 ans. J’ai vécu à Paris jusqu’à mes 15 ans puis je suis venu m’installer sur Avignon.

Depuis quand fais-tu de la photo ?
J’ai débuté la photographie il y a environ 12 ans. J’avais déjà fais la rencontre de l’appareil photo de mon père plus jeune mais cela n’avait pas éveillé ma passion. Celle-ci est arrivée plus tard. Je dois avouer qu’au début les photos n’étaient pas tout à fait les mêmes qu’aujourd’hui à la fois techniquement et de par leurs message.

Qu’est-ce qui te plais le plus dans le métier de photographe ?
En premier ce qui me plais dans le métier c’est la partie création, la magie, créer des images à la fois des gens et des situations. C’est vraiment très appréciable de pouvoir capturer des émotions, des formes et des courbes qui visuellement sont intéressantes.

Ensuite j’aime le contact avec les gens, chaque séance ou mariage est une nouvelle rencontre durant laquelle nous allons immortaliser quelque chose.

Sur ton site on peut voir des photos très différentes, quel type de photos affectionnes-tu le plus ?
Effectivement dans mon travail j’essaye de me diversifier au maximum et surtout de m’intéresser à tous les styles de photo sans pour autant me perdre. Ce que j’affectionne tout particulièrement comme la plupart des photographes c’est la photo artistique, celle ou le photographe peut s‘exprimer en laissant libre court à son imagination. Après j’aime la photographie de mode et le reportage.

Quel matériel photo utilises-tu ?
Très tôt je me suis « marié » avec la marque Canon. J’emploie le terme « marié » parce que lorsque l’on commence à s’équiper on a du mal à changer de marque pour une question de compatibilité du matériel. Aujourd’hui je travaille avec 2 boitiers le 5d et le 5d mark II. Pour l’éclairage en studio j’utilise des flashs Elinchrom qui ont je pense le meilleur rendu qualité/prix du marché et des fonds papier Colorama.

D’où t’es venu l’idée de cette série « Lâchez Prise » ?
Lâchez prise a débuté avec une image : la scène du billard et a ensuite évoluée dans toutes les pièces de la maison. J’ai trouvé ça fun, et on a décidé de faire une série de 6 photos.

La première chose qui nous frappe en regardant ces photos, c’est la technique. Peux-tu nous dire comment tu as réalisé ces images ?
Il est vrai que la technique a été très importante dans cette série. Il y a un mélange de superposition d’images et de réel. Pour vous expliquer un peu la technique je vais prendre la photo de la cuisine comme exemple.

Dans cette scène nous avons 2 personnages. Un sur une chaise et l’autre au plafond. Le personnage situé au plafond était en réalité sur un escabeau. Il a donc fallut prendre une photo du décor vide puis une photo de la scène avec le personnage sur l’escabeau. Ensuite avec Photoshop j’ai effacé l’escabeau en le remplaçant par le contenu de la photo de décor vide.

Pour le reste du décor et des objets j’ai utilisé du scotch double face, de la pâte à fixe et des fils de pêche que j’ai effacé à la retouche.

Pour finir, quels conseils donnerais-tu à quelqu’un qui débute en photographie ?
Je lui conseillerai de changer de métier ! Plus sérieusement la passion avant tout et la patience. Je crois que la meilleure école c’est la pratique mixée à la curiosité. C’est en cherchant et en observant les résultats obtenus que l’on apprend les petits secrets. Puis il y a toute une partie qu’il ne faut pas négliger c’est la retouche de l’image. En effet c’est 50% du résultat. Je dirais 50 % à la prise de vue et 50% à la retouche. Pendant la prise de vue on prépare l’image et à la retouche on la termine.

Merci Lorenzo pour cet interview. Vous pouvez retrouver tout le travail de Lorenzo Accardi sur son site internet.

Pour aller plus loin :

• MP #85 : Plongée et contre-plongée, deux techniques pour changer de point de vue
• Marc Hoppe, photographie de nus sculpturales
• L’oeil du viseur, le monde raconté par ceux qui font la photographie

Bibliothèque Sainte Genevieve - Paris

Découvrons la série Respect the Architect, du photographe français Franck Bohbot.

Franck Bohbot est né à Longjumeau en 1980, près de Paris, et s’initie à la photographie sur les plateaux de cinéma. Depuis 2008, il réalise des séries de photos minutieusement construites, mêlant à la fois la photographie d’architecture et les paysages urbains. D’ailleurs, Franck semble aimer les espaces géants et déserts, comme on peut le voir sur certaines de ces photos : la présente humaine se fait à minima, seulement pour donner un peu de mouvement à l’image, comme c’est par exemple le cas sur la photo prise au Bon Marché à Paris.

Le Bon Marché - Paris

Voici, en quelques mots, comment Franck Bohbot nous présente la série « Respect the Architect » :

Respect the Architect représente une série à penser sur le long terme. Cette première partie publiée ici contient une série de 13 images. A mes débuts, en analysant mes photos, je me suis rendu compte que ce que je voulais montrer était un lieu, dans tout sa monumentalité et son ensemble.

Plutôt que de prendre une multitude d’images avec des détails et essayer de trouver plusieurs ambiances, mon point de vue s’est développé d’une manière très centrale en respectant l’architecture construite par les Hommes et pour les Hommes et en photographiant l’endroit en une seule et unique photo.

Cette série est le fruit de cette reflexion.

En regardant ces photos, on retrouve des cadrages symétriques et des teintes de couleur perceptibles au premier regard. Ces images d’architecture, principalement prises à Paris là où il réside, ont été réalisées entre 2009 et 2012. Selon lui, le regard doit dépasser la technique, l’appareil ne représente que l’outil, l’essentiel est la question que l’on se pose au moment de photographier un endroit ou une situation.

Couloirs de l'Odéon - Paris

Retrouvez les 13 photos qui composent cette série dans la suite de l’article et l »ensemble de son travail sur son portfolio.

La porte - Versailles

Pantheon - Rome

Bir Hakeim - Paris

Couloir rose - Jussieu

Untitled

A86

Alvia - Barcelone

Galerie impressionniste

Piscine Pontoise I - Paris

Le foyer - Versailles

• Les Hyper-photos de Jean-François Rauzier
• Promotion : Photoshop Lightroom 3 à -50% jusqu’au 27 novembre
• Décès d’André Fage, fondateur du Musée Français de la Photographie et de la Foire à la Photo de Bièvres

Voici une idée originale pour réaliser simplement une série : regrouper tous les objets nous appartenant, par couleur, et réaliser un cliché pour chaque couleur dominante. Helga Steppan, photographe suédoise diplômée du Royal College of Art de Londres en 2004, aime travailler la photographie par combinaison d’éléments, et en suivant un processus clair et précis.

Dans la série See Through, Helga Steppan a fait un « audit » de tous les objets en sa possession et les a divisé en plusieurs spectres de couleurs, afin de les regrouper : blanc, noir, jaune, rouge, divers, bleu, orange, vert, rose, violet, gris et marron. Les images obtenues sont très fortes, et l’on se demande même si elles ne suffiraient pas pour définir la personnalité de cette photographe.

Pour montrer à quel point la photographe respecte son processus créatif, elle va jusqu’à indiquer les éléments qui manquent dans les photos, comme par exemple la robe bleue avec des papillons qu’elle portait ce jour là (pas question de faire des photos nues comme Erica Simone) ou bien certains éléments qu’elle n’arrivait pas à « classer », comme les photographies qu’elle possède (trop selon elles pour les faire rentrer dans ces compositions).

Lors de son exposition en 2006, Helga Steppan a également joué avec les objets de son entourage, en demandant à ses amis, connaissances et à sa famille de lui envoyer un objet transparent pour composer cette couleur qui n’en est pas une. Lors de l’exposition, tous ces objets ont été réunis, ajoutés à ses propres objets, pour réaliser une sculpture transparente (voir ci-dessous). A travers cette sculpture, ce ne sont plus les objets d’Helga Steppan qui sont représentés, mais bien ceux de son cercle proche.

Pour en savoir plus, je vous invite à consulter la page consacrée à l’artiste Helga Steppan sur le site Re-title.

Si vous voulez créer des compositions de couleurs à partir de photos sur Flickr, il existe un outil très pratique pour cela : Multicolr Search Lab

Pour aller plus loin :

• MP #76 : Le fonctionnement de la mise au point décrypté
• Apprendre et se perfectionner avec des stages photos
• MP #68 : Saturation et désaturation, une histoire de couleurs

Dans sa série BodyField, le corps de la femme est présenté comme un terrain, où l’on se promène, où l’on vagabonde. Cette série en noir et blanc, très épurée, nous laisse parfois dans l’embarras, n’arrivant pas à reconnaître certaines zones du corps humain.

Découvrez les photos dans la suite de l’article.

Rendez-vous sur le site de Billy Kidd.Pour aller plus loin :

• Marc Hoppe, photographie de nus sculpturales
• MP #23 : Préférez le noir et blanc
• Yves Marrocchi

Voici la série Switcheroo, de la photographe canadienne Sincerely Hana. Pas moins de 5 couples sont photographiés deux fois, côte à côté, en échangeant leurs vêtements. Le même arrière-plan et la même posture peut trouver au premier coup d’oeil, tellement il semble difficile de reconnaître qui est qui. C’est peut-être parce que le soucis du détail est poussé jusqu’aux cheveux : le chignon de la femme se retrouve dans la photo suivante sur l’homme.

Belle série rafraîchissante je trouve.

Le site de Sincerely Hana.Pour aller plus loin :

• BodyField : le corps de la femme vu autrement, par Billy Kidd
• Gabriel Mendes – Urban Puns
• A découvert, un double regard, de Frédéric Bourret

Après les 100 maisons abandonnées de Kevin Bauman, voici une série proposée par Eric Tabuchi avec des stations service abandonnées.

Comme il l’indique, c’est une reprise du travail Twenty six Abandoned Gasoline Stations de Ed Rusha (certains diront que c’est une copie), mais au moins Eric a l’honnêteté de le dire.

Pour lui, « les 26 stations service abandonnées anticipent l’archéologie future d’un age d’or de la route. Exclusivement prise en France, ces constructions ordinaires renvoient aux ruines d’un impossible road movie. Sur le thème de la route, de la non-architecture, de l’errance, Twentysix Abandoned Gasoline Stations montre en quelque sorte le hors-champ de Alphabet Truck. »

Alphabet Truck est un autre projet photographique d’Eric Tabuchi.

Vous pourrez trouver plein d’autres séries sur son site : www.erictabuchi.fr

Pour aller plus loin :

• Sur la Route 66 avec Giorgio Fochesato
• Metropolisson, une relecture amusante du métro parisien par Janol Apin
• The Geotaggers’ World Atlas : une analyse des photos Flickr par Eric Fischer

Ici, on remarque bien que les lignes de fuite vont toutes dans la même direction : le centre, et plus précisement sur la jeune femme toujours présente sur l’ensemble des photos. Serait-ce sa bien aimée ?

Pour le côté technique, JD Huang a utilisé un objectif grand angle (17 mm) et une ouverture assez faible (entre f/5 et f/7) pour avoir une profondeur de champ suffisante à rendre net différents objets placés sur différents plans de la photographie.

Dans la suite de l’article, vous trouverez d’autres photos de la série Vacancy.

N’hésitez pas à faire un tour sur la galerie Flickr de cet artiste.Pour aller plus loin :

• Photographie mentale : s’améliorer sans prendre de photos
• MP #19 : l’ouverture
• Calculer sa profondeur de champ

William Hundley aime prendre en photos les gens, mais pas n’importe comment. Au lieu de leur tirer le portrait, il préfère les recouvrir d’un drap et shooter en plein vol. Et cela a donné la série Entoptic Phenomena.

Je trouve que cette série est très intéressante pour deux raisons :

• prendre en photo un élément en vol, cela signifie savoir déclencher au bon moment, et toutes ses photos sont parfaites sur ce point. Bien sûr, le mode rafale aide énormément pour réussir ce type de photos, alors merci le progrès !
• la mise en scène est parfaite : on a vraiment l’impression que les draps volent, on se demande même parfois comment quelqu’un peut tenir dedans sans que cela se voit. Le résultat obtenu se rapproche de fantômes urbains errants.

Vous pouvez observer son travail sur Flickr, et en particulier la série Entoptic Phenomena.Pour aller plus loin :

• MP #12 : Prendre des photos sans faire la mise au point
• Lancement d’une nouvelle rubrique : le Mercredi Pratique
• Une nouvelle page : Participez !

Vous ne vous êtes jamais allongé dans l’herbe pour essayer de prendre des photos et vous sentir soudain dans le corps d’une fourmi ?

Ok ce n’est pas le moment pour essayer, sauf si vous avez envie de ressembler à une fourmi gelée, mais voici pour vous un article d’Abduzeedo, le blog d’un designer brésilien Fabio Sasso. Je vous invite d’ailleurs à garder ce blog de côté si vous vous intéressez au design, ils font une veille très intéressante.

Dans cet article, Abduzeedo lance une nouvelle série orientée photographie/design : Web Picks. L’idée est de choisir un sujet, et de l’illustrer de toutes les manières grâce à la photographie, au design et à l’illustration. Un point intéressant est aussi la dernière partie qui est composée de quelques tutoriaux pour refaire certains effets visuels.

Le premier était sur la fumée, le deuxième sur l’eau, et celui que nous vous présentons aujourd’hui est sur l’herbe. Dans la suite, quelques illustrations tirées de l’article qui est très riche en images.

Pour aller plus loin :

• L’Armée populaire de libération en photo
• Concours l’Usine à Design : Phototrend est jury, participez !
• Aujourd’hui, c’est skateboard !