Cet article est donc une sorte de lexique vous permettant de naviguer facilement à travers nos MP en fonction de ce que vous voulez apprendre ou réviser.

Réviser la théorie

Si la photo s’apprend en pratiquant, il y a aussi de nombreuses règles qu’il est bon de connaître pour progresser. Car c’est d’abord de la physique et de la chimie : des sujets parfois bien loin des préoccupations du photographe qu’il est pourtant utile de comprendre. Cela commence par le fonctionnement de votre boîtier pour capturer la lumière de votre scène : ouverture, vitesse d’obturation et couple vitesse / ouverture sont un bon début. Lié à ces deux facteurs, la sensibilité (ISO) de votre appareil, mais également la balance des blancs et le bracketing.

Une fois que l’on maîtrise tous ces points (ou en tout cas que l’on comprend leur fonctionnement et leur interaction), on peut s’aventurer sur le terrain du HDR, très à la mode. C’est également plus facile de comprendre ce que l’on entend par piqué. Mais surtout on peut travailler l’esprit serein en évitant (ou en jouant avec) les aberrations optiques et le flare.

Mais la théorie ne s’arrête pas là. Il ne faut pas oublier qu’une fois vos photos prises, vous allez probablement les montrer, le plus souvent sur internet. Vient alors les problèmes de copyright et les réponses apportés par le Creative Commons. Pour conclure cette partie, je pense qu’il faut parler de tous les autres sites ou blogs photos que nous lisons et qui nous apportent une vision différente avec d’autres conseils pour continuer à progresser.

Le point sur le matériel et les accessoires

Avoir un bon matériel est relativement peu important, à condition de le maîtriser et de connaître ses atouts et points faibles. A vous progressivement de l’améliorer et d’acquérir ce dont vous avez besoin, en fonction de vos envies et de votre budget. Nous sommes là pour vous donner des pistes de réflexion ou pour vous aider avant un achat.

C’est le cas notamment des objectifs : avec ou sans stabilisateur ? le fisheye, gadget ou génial ? où acheter du matériel d’occasion ? On essaie également de vous donner des idées concernant le flash, tant sur le matériel que sur son utilisation, ou tout simplement sur le pare-soleil.

Enfin, on parle des nouvelles possibilités offertes par les derniers reflex : la fonction vidéo, souvent en HD, et  la prise de photos directement par ordinateur, qui peut s’avérer pratique pour les photographes ayant besoin de voir ou traiter instantanément leurs images.

Après la technique, la pratique

Et c’est bien la partie la plus importante, avec un grand nombre de Mercredi Pratique pour essayer de vous donner des conseils ou idées.

Quelques règles d’esthétiques s’imposent, comme dans tout art. Nous avons également parlé du bon moment pour prendre une photo, plus souvent appelé The Golden Hours. Durant ces moments où le contrejour peut exister, la technique du fill-in est la bienvenue, pour garder intact les détails d’une photo portrait, par exemple. Mais avant d’en arriver là, il faut bien se préparer avant son départ.

Quand la technique est maîtrisée, vous pouvez user d’astuces créatives pour obtenir des photos qui sortent du cadre. Cela peut passer par le noir et blanc, ou bien par l’utilisation de filtres (qui vous permettent également de protéger votre matériel). Essayez également de prendre des photos sans faire la mise au point et vous serez étonnés du résultat.

En pratique, vous rencontrez également beaucoup de situations qui nécessitent des prise de vue particulières. Nous vous avons donc donner des conseils pour faire vos premiers pas en photo de concert ou pour réussir à bien photographier une cascade (deux articles réalisés grâce à deux blogueurs invités, que l’on remercie). Dernièrement, et parce que cela collait à l’actualité, vous avez pu également réviser vos classiques pour savoir comment prendre des photos de feu d’artifice.

Nous avons aussi abordé quelques techniques pour réaliser des montages (panoramique avec duplication ou panoramique tout court) et essayer la technique du Tilt Shift, très en vogue à l’heure actuelle. Enfin, parce qu’avec un peu d’obscurité et quelques lumières on peut faire de belles compositions, nous vous avons expliqué la technique du light painting.

Et enfin, le post-traitement

Une fois que vous avez pris toutes vos images vient le temps du traitement. A l’époque de l’argentique, la question ne se posait pas : à moins d’avoir une chambre noire, vous alliez chez le photographe faire développer vos photos, et vous n’avez guère de mot à dire sur le résultat final. Le numérique et plus récemment les logiciels de traitement relativement grand public ont changé la donne et permettent à tous de gérer soit même le traitement de ses photos. Pourtant, c’est bien plus complexe qu’on ne le pense et cela prend beaucoup de temps. Quelques connaissances et astuces de base, ainsi qu’une bonne organisation, devraient vous éviter de nombreux ennuis.

D’abord vous devez réfléchir au format que vous allez utiliser pour prendre vos images : nous vous conseillons vivement le format RAW, dont les avantages sont détaillés dans le MP. Pour exploiter au mieux ce format, il est important d’utiliser les bons logiciels : l’un d’eux, Lightroom (mais il existe de nombreux concurrents tel Aperture sur Mac ou Bible) est notre préféré. Outre un MP pour bien l’exploiter, nous vous conseillons d’apprivoiser les presets qui vous permettront de gagner beaucoup de temps de développement. L’histogramme, parfois un peu difficile à appréhender au premier abord, devient également un outil très performant au quotidien.

Pour finir sur le post-traitement, il est important de rappeler que la perte de données est un véritable fléau pour la photo numérique et qu’il nous est tous arrivé de perdre des images que nous n’avions jamais sauvegardé. C’est le sujet d’un MP stockage, sauvegarde et archivage pour bien comprendre quelles sont les solutions de stockage (les gigaoctets de photos s’accumulent de plus en plus rapidement), de sauvegarde (pour ne pas perdre de photos ou retrouver un original après traitement) et d’archivage (pour mettre de côté définitivement des photos déjà traitées que l’on peut supprimer de sa machine de travail).

Conclusion

Durant ces 40 premiers Mercredi Pratique, nous avons pu vous expliquer beaucoup de choses et aider de nombreuses personnes à appréhender le plus facilement possible la photo avec des explications les plus simples possibles (on l’espère). Mais ce n’est qu’un début et il reste encore beaucoup de points à explorer.

N’hésitez pas à nous proposer d’autres thèmes à développer, en nous envoyant votre participation. Si vous êtes spécialiste dans un domaine en particulier, nous sommes intéressés par votre expérience et vous pourriez être publié sur le blog.

Pour aller plus loin :

• MP Edition spéciale : Bilan & Ebook
• MP #69 : Pourquoi watermarker vos photos ?
• MP #56 : Bien réussir ses photos en hiver

Mardi prochain, j’espère que vous aurez l’occasion d’assister à un feu d’artifice près de chez vous, pour le 14 juillet. Pour l’occasion, nous allons vous rappeler quelques règles élémentaires pour réaliser une bonne photo de feu d’artifice.

Sans trépied, pas de salut

En plus de votre appareil, l’élément principal à utiliser pour ce type de photo est bien sûr un trépied. Sans cela, il vous sera quasiment impossible de réaliser une belle photo de feu d’artifice, car vous aurez besoin d’un temps de pose assez long. Bien sûr, vous pouvez utiliser le petit muret qui se trouve à côté de vous, mais je ne suis pas sur que cela soit très pratique, et surtout les feux d’artifices regroupent souvent beaucoup de personnes, donc imaginez si votre appareil se retrouve bousculé…

Un bon spot, c’est mieux

Cela ne vous est jamais arrivé de vous retrouver avec une grosse tête devant vous, ou pire, un enfant sur les épaules de papa pendant le feu d’artifice, vous bouchant le champ de vision ? Il est recommandé de venir sur le lieu avant (encore faut-il savoir à l’avance où cela va se passer), histoire de choisir quelques points stratégiques. Privilégiez les hauteurs, pour éviter d’avoir des éléments gênants dans votre champ de vision. Mais après, cela dépend de votre vision : si vous souhaitez avoir des repères extérieurs ou pas. Il faudra également faire attention au vent, mais là, difficile de prévoir…

Petit conseil pratique : mieux vaut arriver en avance sur le lieu le jour du feu, pour squatter bien gentiment votre place et éviter de retrouver quelqu’un d’autre au même endroit.

Bien choisir votre objectif

Pendant le spectacle, je vous déconseille de changer d’objectif, car avec le monde que vous pourrez avoir autour de vous, et le risque de rater une belle bleue, le mieux est de savoir à l’avance ce que vous allez prendre. Si vous souhaitez prendre seulement les détails, optez pour un zoom. Sinon, pour avoir l’ensemble du panorama (par exemple le reflet du feu sur la mer), optez pour un objectif grand angle. C’est tout bête mais il faut y penser, rien ne sert de prendre toute sa panoplie d’objectifs, et votre dos vous dira merci.

Manuel, tout manuel

Si vous n’avez pas l’occasion d’utiliser très souvent le mode manuel de votre appareil, c’est l’occasion rêvée. Je vous conseille de faire votre mise au point sur l’infini, de régler l’ouverture sur f/11 et de choisir une vitesse d’ouverture de l’ordre de 3 à 4 secondes. De cette manière vous pourrez avoir de belles traînées de lumière sur vos photos. La première photo vous permettra de faire un test d’exposition, et de compenser en modifiant votre ouverture ou votre vitesse. En tout cas, gardez un faible ISO pour éviter la montée du bruit.

Avec une télécommande, c’est mieux

Je ne peux que vous conseiller d’utiliser une télécommande pour ce genre de photos. Une fois votre appareil bien réglé (et orienté vers la bonne zone, que vous aurez mémorisée, il vous suffira de déclencher lorsque les fusées décollent et laisser faire l’appareil. Si vous n’avez pas de télécommande, vous pouvez utiliser le mode retardateur de votre appareil, mais à vos risques et périls pour synchroniser avec les fusées… Une télécommande filaire ne coûte pas si cher, alors pourquoi s’en priver ?

Encore mieux, en pose B (Bulb)

Pour ceux dont les appareils proposent l’option pose B (Bulb, voir votre manuel), je vous la conseille. Couplé à une télécommande, vous pourrez choisir de déclencher lorsque les fusées sont tirées (ou quand le feu explose), et relâcher lorsque les traînées s’estompent. Cela vous fera un magnifique cliché, je vous assure !

En pose B, vous pourrez même cumuler plusieurs feux sur votre photo en usant de la ruse. Placez une carte noire devant votre objectif à la fin du premier feu, et attendez la prochaine explosion pour retirer votre carte. Attention seulement à ne pas bousculer l’appareil lors de cette manoeuvre.

Voilà, je pense que vous êtes prêt pour partir à l’aventure et nous rapporter de belles photos de feu d’artifice.

Vous avez peut être remarqué le peu d’images dans cet article ? Si vous le souhaitez, vous pouvez nous partager vos réussites dans les commentaires de cet article, je ferais une sélection et les ajouterai à cet article (pour présenter vos travaux).

Pour aller plus loin :

• Planète Parr au Jeu de Paume
• Découverte de la gamme Samsung – focus sur le NX200
• Des photos du nouveau boîtier full-frame Nikon D800

La belle saison arrive, et avec elle son lot de concerts et de festivals. Pour vous aider à capturer de bons moments lors de ces concerts, nous avons voulu vous donner quelques astuces. Et parce que pour en parler rien ne vaut un professionnel, aujourd’hui c’est Alain Grodard (site), un photographe passionné de concert, qui vous en parle.

Phototrend lui laisse la parole :

« La photo de concert est un domaine magique de la photo grâce aux artistes et aux ingés lumière qui créent des scènes et des conditions qu’il serait impossible de recréer soi-même. Restituer l’ambiance d’un concert en quelques photos n’est pourtant pas simple car les conditions techniques sont souvent difficiles :

• pour la lumière : souvent faible, changeante, à contre-jour…
• pour le sujet : en mouvement, entouré de choses inesthétiques comme les micros, souvent mal placés pour nous photographes
• pour l’environnement du photographe : il faut se mêler au public et se faire une place sans gêner ni les spectateurs ni les artistes.

Avertissement

Dans la plupart des salles de concert, en tout cas toutes les « grosses » salles, il est interdit de prendre des photos. Cette interdiction a deux raisons : le droit à l’image des artistes et, surtout, ne pas gêner le public et les artistes. Pour cette même raison, les photographes accrédités n’ont pas le droit d’utiliser de flash. Si vous souhaitez faire des photos en concert, demandez une autorisation, cela ne coute rien et est une question de respect du public, de l’organisation et des artistes. En générale, les autorisations doivent être demandées aux labels. Il est possible de demander également aux salles pour les petites salles ou directement aux artistes.

Les clés de la réussite

Rappelons pour commencer qu’une photo de concert est une photo comme une autre : la composition et la lumière restent bien entendu les premières clés de sa réussite. L’expérience est, dans ce domaine comme dans les autres, irremplaçable. Bien connaitre son matériel et savoir comment il réagit aux conditions de prise de vue face aux choix techniques et également important. La réussite tient aussi à la ténacité du photographe : sur un concert entier, les moments les plus propices sont souvent rares, il faut être à l’affut et concentré jusqu’à la dernière minute !

Photo : Alain G. (Tagada Jones – Elysée Montmartre, Paris)

Les choix techniques

La difficulté principale des photos de concert et le manque de lumière, en particulier dans les petites salles, moins éclairées que les grandes.

Balance des blancs

Les lumières de concert étant multicolores, les couleurs sur les photos sont souvent pleines de surprises. En numérique le problème est, en particulier, le rouge qui passe très mal. Sur un boîtier haut de gamme ayant une bonne balance des blancs automatique, comme sur un Canon 5D, autant rester au automatique, le résultat sera le plus près de la vérité, rarement exact, mais qu’importe. Il est possible de prendre les photos en RAW et de corriger manuellement la balance des blancs au post-traitement mais ce n’est pas une obligation, souvent le JPEG est suffisant.

Sensibilité

Le choix le plus facile à faire. Je procède de la façon suivante : je fais un test en choisissant 800 ou 1600 iso, si la vitesse obtenue est trop faible (inférieur à 1/60 s) je monte en sensibilité, souvent jusqu’à 1600 iso.

Dans le cas de salles avec beaucoup de lumière, ou en extérieur de jour, rien n’empêche de commencer à une sensibilité plus basse (200, 400 iso…)

Mesure de la lumière

Chacun a sa méthode mais si votre boîtier le permet je vous conseille la mesure spot (mesure à 3% au centre de l’image) car les écarts de lumière sont souvent très importants sur un même sujet à cause des lumières très directives. Le plus souvent il y a un écart de plusieurs diaphs sur une toute petite surface comme un visage mais c’est à vous de choisir ce que vous voulez exposer correctement. Si la lumière ne change pas trop, vous pouvez passer en manuel en reportant les paramètres définis précédemment, vous gagnerez ainsi en rapidité pour saisir les moments fugitifs qui vont faire la différence entre une bonne photo et une photo ratée.

Par exemple, la photo suivante a été faite en faisant une mesure spot sur le visage du batteur.

Photo : Alain G. (Destruction Incorporated – Elysée Montmartre, Paris),
f/4.5, 1/320s, 200mm, 1600 iso

Priorité ouverture ou vitesse

On ne peut dissocier les choix de vitesse et d’ouverture. Il y a trois écoles :

• choisir le mode « priorité ouverture » (« Av » sur les boitiers Canon, « A » sur les Nikon) : c’est le choix que je fais en choisissant l’ouverture la plus grande de mon objectif (souvent f2.8) car le manque de lumière reste une constante. De plus, une grande ouverture permet de détacher le sujet du fond par le flou créé.
• choisir le mode « priorité vitesse » (« Tv » sur les boitiers Canon, « S » sur les Nikon) : dans le cas où le sujet est en mouvement, on sait à l’avance qu’un temps de pose trop long créera un flou à coup sur en dessous d’une certaine vitesse (1/60s, 1/100s…). Dans ce cas, on peut faire le choix de fixer sa vitesse et laisser au boîtier le choix de l’ouverture. Il est aussi possible de choisir volontairement une vitesse basse pour obtenir un flou permettant de rendre le mouvement du sujet. La difficulté réside justement dans le choix de la bonne vitesse, seul l’expérimentation et les conditions du moment vous permettront d’arriver à un résultat satisfaisant.
• choisir le mode manuel (« M » sur les boitiers Canon et Nikon) : avec de l’expérience il est possible de choisir le mode manuel si les conditions de lumière ne sont pas trop changeantes. L’avantage de ce choix est de gagner du temps au moment du déclenchement car il n’y a pas de mesure de lumière à faire. J’utilise ce mode très rarement par exemple dans le cas où la lumière est trop faible et que je veux saisir malgré tout l’instant, en sous-exposant volontairement.

Certains boîtiers permettent une « priorité sensibilité » qui me semble très intéressante car elle permet de rester dans la sensibilité la plus basse réduisant le bruit numérique.

Utilisation du flash

Je n’utilise personnellement jamais le flash : il est d’ailleurs interdit de l’utiliser dans les salles de concert même si certains photographes, amateurs ou professionnels, prennent la liberté de transgresser cette règle. Il est possible d’obtenir de bons résultats lorsque l’ambiance lumineuse est respectée, ceci implique de diminuer la puissance du flash et de ne pas rester en automatique. Le choix du flash est à mon avis à réserver à des cas très précis, par exemple pour figer un mouvement tout en rendant l’impression de vitesse et surtout en ayant une bonne maitrise de cette technique sinon le résultat sera moins bon que sans flash !

Photo : Benjamin Lemaire (Dio (Distraught Overlord) – Trabendo, Paris),
f/4.0, 1/40s, 17mm, 1000 iso, correction d’expo pour le flash -2 diaph

Les choix artistiques

« L’instant décisif »

La maîtrise des paramètres techniques est primordiale pour réussir ses photos mais n’est qu’un moyen d’y arriver et le plus difficile reste à faire : faire une photo bonne techniquement ne fait pas une bonne photo. Il est courant d’avoir, dans les trois morceaux impartis au photographe, seulement quelques secondes où les conditions de lumière et de position des artistes permettent de faire de belles photos, encore faut-il choisir son moment pour déclencher, choisir la bonne expression du chanteur, la position du corps d’un musicien… La solution : de la patience et de l’entrainement pour choisir le bon moment, rien ne sert de mitrailler, c’est le meilleur moyen de passer à côté de l’instant qui ne dure qu’un 1/1000 de seconde.

Photo : Alain G. (Ultra Vomit @ Elysée Montmartre, Paris),
f/4.5, 1/200s, 38mm, 1600 iso

La composition

Les règles de composition « classiques » restent bien entendu valables pour la photo de concert. Par exemple, il faut veiller à ne pas couper un morceau d’instrument lorsque ce dernier fait partie de l’intérêt du sujet (une guitare par exemple) sauf si un cadre plus serré se justifie.

Photo : Alain G. (Dan Black – Bataclan, Paris | 16.04.2009),
f/2.8, 1/250s, 100mm, 1600 iso

Evitez autant que possible les éléments perturbateurs et inesthétiques que sont les dispositifs divers d’une salle de concert : pied de micro, retours scène… Leur placement n’est pas pensé pour les photographes et ils sont souvent un obstacle aux photos « épurées » .

Cette photo, par exemple, aurait été nettement mieux sans ces satanés micros qui dans ce cas ne sont pas utiles à la composition

Photo : Alain G. (Sling 69 – La Maroquinerie, Paris)

La lumière

Parfois difficile à capturer lorsqu’elle est changeante ou lorsque le sujet est à contre-jour, elle reste un atout pour faire une photo intéressante. En un mot, intégrez les lumières dans vos compositions !

Photo : Alain G. (Cult Of Luna – Elysée Montmartre, Paris),
f/4.0, 1/125s, 28mm, 1600 iso

Autre exemple plus créatif, pourquoi faire des photos nettes quand on peut jouer avec les lumières en bougeant le boitier et faire de jolis filés ?

Photo : Benjamin Lemaire (Anaïs Kael – La Boule Noire, Paris)

Les plans d’ensemble, souvent négligés par les photographes, fonctionnent pourtant très bien.

Photo : Alain G. (Cult Of Luna – Elysée Montmartre, Paris),
f/2.8, 1/50s, 78mm, 1600 iso, compensation d’expo +1/3 de diaph

Le post-traitement

Plus que dans tous les autres types de photo, les photos de concert ont besoin d’un post-traitement car les faibles luminosités impliquent une sous-exposition presque constante et les lumières, parfois monochromes, sont difficiles à restituer en photo. Dans le cas où les couleurs ne sont pas esthétiques, un passage en noir et blanc est la solution de facilité mais cela fonctionne très bien. Dans les autres cas je vous renvoie à la multitude de tutoriaux que vous pouvez trouver sur phototrend.fr ou sur le web. Enfin, les choix de post-traitement, comme pour la prise de vue, dépendent de vos goûts et il n’y a pas de recette toute faite, soyez créatifs et originaux, une photo n’est pas la réalité mais votre vision !« 

Merci Alain pour ces explications très claires. A bientôt sur Phototrend.Pour aller plus loin :

• MP #63 : Quelle mesure d’exposition choisir (multizone, pondérée centrale ou spot) ?
• MP #59 : Comment prendre des photos des lumières et des illuminations
• MP #52 : Quand le flash n’est pas nécessaire