Quelles sont les erreurs à éviter lors de l’édition de photos de paysage ? Nous avons posé la question à Armand Sarlangue, photographe de paysages, qui utilise le logiciel Luminar 4 pour développer ses photos. Ce dernier partage avec nous 5 erreurs courantes que tout photographe a sûrement déjà rencontré lors de l’édition de photos de paysage.
Dans cet article, je vais parler de quelques erreurs d’édition photo courantes dans Luminar 4, en utilisant mes propres photos de paysage comme exemples. Les conseils que je donne fonctionnent dans la plupart des cas. J’ai exagéré un peu dans les exemples pour montrer clairement les idées.
Sommaire
Erreur n°1 : sursaturer ses photos
La sursaturation est probablement la plus grosse erreur en photographie de paysage. Lorsque vous ouvrez un fichier Raw, les couleurs ne flashent pas. Vous voulez que ce soit spectaculaire, alors vous vous précipitez sur le curseur Saturation et vous le poussez vers le haut… beaucoup trop !
La saturation peut être délicate, car elle dépend des goûts du photographe. Mais sursaturer une image est rarement une bonne solution.
Vous devez également considérer que votre saturation évoluera avec vos modifications lorsque vous jouerez avec le contraste et d’autres paramètres.
Comme vous pouvez le voir, la première image est sursaturée. L’aspect a l’air très percutant, mais dès que vous la regardez de près, vous vous rendrez compte que ce n’est pas la bonne approche.
Donc, même si vous aimez les images bien saturées comme moi, ne poussez pas trop le curseur.
Si certaines couleurs de votre image sont déjà assez saturées, utilisez le curseur Vibrance. Contrairement au curseur Saturation, qui agira sur toutes les couleurs de manière égale, le curseur Vibrance augmentera de manière sélective la saturation dans les tons moyens et les couleurs moins saturées.
Dans cette image, par exemple, le rocher sur la gauche est très saturé à cause du coucher du soleil. Vous pouvez donc augmenter la Saturation à 12, puis augmenter la Vibrance afin de ne pas affecter autant cette zone déjà saturée que le curseur Saturation le ferait. Après cela, si vous aimez l’aspect général mais vous trouvez que la couleur orange dans le ciel est trop saturée, vous pouvez ouvrir les paramètres avancés où vous pouvez définir la saturation couleur par couleur. Dans ce cas, cliquez sur le cercle orange et réduisez un peu la saturation juste pour cette couleur.
Erreur n°2 : ne pas respecter l’harmonie des couleurs
Lorsque vous définissez la teinte, la saturation et la luminance des couleurs, soyez prudent. Les différentes teintes doivent correspondre. Il peut être tentant de transformer vos tons chauds en une sorte de rouge profond parce que vous aimez cette couleur. Mais ce faisant, vous pouvez rompre l’harmonie des couleurs de votre image. Pensez toujours à toutes les autres couleurs lorsque vous en modifiez une.
J’ai choisi cette image du glacier de la Mer de Glace comme exemple, car il existe différentes couleurs et chacune joue son rôle dans la création d’une séparation entre les différentes scènes du plan.
Il y a le jaune/vert et l’orange/rouge de la végétation d’automne au premier plan, l’orange de la lumière sur le fond des montagnes et du ciel, et le bleu du glacier reliant ces deux sujets. Il crée un contraste de couleur constructif entre les tons chauds, les tons froids et le reste des couleurs. Pour ce faire, j’ai utilisé des modifications de couleur sélectives légères qui peuvent être effectuées avec les paramètres avancés de l’outil Couleurs dans Luminar 4. N’oubliez pas de vous assurer que toutes les couleurs s’accordent de manière réaliste. Comme vous pouvez le voir, dans les deux premières images, l’harmonie des couleurs a été rompue et la scène n’a pas l’air naturelle.
Une fois que vous êtes dans le menu Paramètres avancés de l’outil Couleurs, cliquez sur le cercle représentant la couleur que vous souhaitez modifier et utilisez les curseurs Teinte, Saturation et Luminance pour augmenter le contraste des couleurs. Rendre les zones claires plus chaudes et les zones sombres plus froides est une bonne approche avec les images de coucher / lever de soleil. Pour ce faire, vous devez pousser le curseur Teinte bleu vers la droite tout en poussant le curseur Teinte orange vers la gauche. Vous avez rarement besoin d’aller au-delà de 15. Vous pouvez ensuite régler la saturation de ces couleurs et utiliser le curseur Luminance pour rendre l’image plus claire ou plus sombre. Vous pouvez également essayer d’ajuster les autres couleurs.
Ce qui est vraiment pratique avec l’outil Couleurs dans Luminar, c’est la réunion de tous les outils dont vous pourriez avoir besoin pour ajuster vos couleurs dans un panneau, contrairement à d’autres logiciels où il y a saturation / vibrance, puis un outil HSL séparé, et puis un outil de balance des couleurs dans différents panneaux. L’interface de Luminar est intuitive et simple à utiliser, ce qui rend le processus d’édition plus confortable.
Cette partie de la post-production est très délicate et la façon dont vous gérez vos couleurs dépend vraiment de l’image. Il n’y a pas de règles prédéfinies à ce sujet, mais je pense qu’une bonne gestion des couleurs peut faire une énorme différence.
Erreur n°3 : faire un mauvais recadrage
Le recadrage est un moyen puissant de transformer l’essence de votre image. Si vous le ratez, l’histoire racontée par l’image peut être complètement différente.
Une erreur courante consiste à tout recadrer autour de votre sujet principal, sans rien laisser d’autre. Les espaces vides sont très importants dans la composition d’une image, et vous devez toujours penser à l’histoire que vous voulez raconter et à la dynamique que vous souhaitez dans la photo. S’il y a des lignes directrices, ne les recadrez pas et rappelez-vous la règle des tiers. Cette règle n’est pas absolue, et être créatif et essayer une nouvelle approche est une partie importante du processus de la photographie. Mais vous verrez que cette règle vous aidera à contrôler la composition.
Dans cet exemple, le sujet principal est décentré, et on pourrait essayer un recadrage pour le corriger. Mais la montagne excentrée est l’un des éléments qui forme la dynamique de cette image, créant un mouvement de gauche à droite. Une autre approche aurait été de recadrer tout autour de la montagne, mais nous aurions alors perdu l’équilibre entre le côté lumière chaude et le côté ombre froide, qui sont des éléments importants de la composition.
Mon message : vos images sont l’addition de sujets primaires et secondaires, mais aussi d’espaces vides et de la façon dont ils sont positionnés. Donc, un recadrage serré n’est pas toujours la solution.
Erreur n°4 : abuser du renforcement de la netteté (sharpening)
De nombreuses erreurs sont possibles avec le renforcement de la netteté (sharpening). Le plus courant est de trop accentuer. Un autre problème consiste à corriger les zones floues en les accentuant. Dans les deux cas, vous ajouterez une texture laide à votre image. Une chose importante à savoir sur le renforcement de la netteté est qu’il ne doit être effectué qu’après avoir redimensionné votre image pour une utilisation particulière. Quel que soit l’outil de netteté que vous utilisez, il agira plus fortement sur un fichier de 10 mégapixels que sur un fichier de 40 mégapixels. Pour une utilisation sur le Web, vous devez d’abord réduire la taille de l’image, puis appliquer le sharpening pour plus de détails.
Dans Luminar 4, l’outil Accentuer les détails propose plusieurs curseurs, permettant des ajustements précis et sélectifs de la netteté. Les trois premiers curseurs peuvent être utilisés pour augmenter ou adoucir les détails petits, moyens et grossiers. Pousser ces curseurs vers la gauche adoucira les détails, tandis que les pousser vers la droite renforcera les détails. Le curseur Affiner affecte la netteté générale de l’image. Je recommanderais de ne pas aller plus loin que 40 sur ce paramètre et pas plus de 8 sur les curseurs d’accentuation des Détails pour une image en taille réelle prise avec un appareil photo plein format. Dans les paramètres avancés, vous trouverez également d’autres curseurs qui peuvent vous aider à affiner les réglages précédents.
Cette image comportait déjà beaucoup de détails qui ont été accentués par une utilisation précédente de l’outil Structure IA. Donc je n’ai pas eu à la rendre plus nette. La première image est trop affinée.
Une chose que j’aime vraiment avec le panneau Accentuer les détails de Luminar, c’est qu’il vous permet d’être extrêmement précis. Il possède non seulement un curseur d’accentuation basique. Il vous permet de travailler sur la netteté générale de l’image, puis de travailler séparément sur les détails petits, moyens et grossiers, puis de revenir en arrière pour affiner ces ajustements en utilisant un masque de netteté et un curseur d’adoucissement. C’est l’un des outils d’accentuation les plus développés que j’ai jamais vu, vous permettant d’obtenir des résultats uniques tout en étant simple à utiliser, même pour les débutants.
Erreur n°5 : ne pas développer votre propre vision de l’image
Lorsque vous commencez à travailler sur une image, prenez quelques minutes pour réfléchir à la destination que vous souhaitez atteindre plutôt que de déplacer les curseurs pour voir ce qui se passe.
Vous pourriez probablement obtenir de belles images en procédant ainsi, mais je pense que la post-production devrait être un moyen de rapprocher le cliché de ce que vous envisagiez. Il y aura toujours différentes façons de rendre votre image belle, mais l’important est de déterminer comment vous souhaitez qu’elle soit et de la réaliser.
Quels sont les principaux éléments de ma composition ? Comment puis-je les mettre en évidence ? Quelle sorte d’ambiance voudrais-je montrer à travers cette image ? Ce sont quelques-unes des questions que je me pose avant de commencer à modifier quoi que ce soit.
Cela peut prendre du temps avant que vous puissiez définir votre objectif pour une image tout en la regardant sans modification, mais je vous garantis que cela rendra votre post-production plus riche et plus satisfaisante.
Conclusion
Je pense que vous avez saisi l’idée générale : n’allez pas trop loin avec les curseurs et recherchez l’équilibre au cours de l’édition. Je pense que l’utilisation modérée de plusieurs réglages donne de meilleurs résultats que l’utilisation d’un seul à l’extrême. Je tiens également à vous rappeler qu’il ne s’agit que de conseils.
Ils sont destinés à vous aider à cesser de tomber dans des pièges courants et à vous inciter à développer votre propre vision. Il y a des situations où la sursaturation peut être une façon amusante de présenter un sujet ou une gestion un peu folle des couleurs sera une façon originale de présenter une image. L’important est d’être libre dans le processus créatif mais de garder à l’esprit que trop de tout n’est pas une bonne approche en photographie de paysage.
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A propos d’Armand Sarlangue
Armand Sarlangue est photographe professionnel depuis 13 ans. Fils de photographe, l’art visuel est une passion pour Armand depuis son enfance. Ses images de paysages ont remporté des prix internationaux en 2018 et 2019, ont été exposées à l’Académie des sciences de Californie et publiées dans de nombreux médias. Être seul dans les endroits les plus reculés et traduire en images les sentiments de ces moments est ce qui motive Armand, qui utilise des techniques de post-production avancées pour que ses clichés correspondent à sa vision du monde.
