Nikon D100, 38 mm, f/5, 200 ISO,  1/250

Voici une photographie très impressionnante du lac Jokulsarlon, en Islande. La couleur bleutée serait due à l’oxygène emprisonné dans la glace, et la teinte rose du lac provient du soleil couchant. C’est une image particulièrement réussie dont on peut tirer quelques enseignements.

Au point de vue des réglages techniques il est important dans ce genre de photographie de rechercher un minimum d’ISO. 200 est très correct et sûrement que 100 aurait été possible en réduisant la vitesse autour de 1/100, surtout pour un paysage (le D100 ne descend cependant pas sous 200 ISO). Il aurait aussi été possible d’augmenter la précision et les détails en fermant un peu plus le diaphragme.

Le choix du format portrait est particulier pour un paysage mais le photographe a su exploiter en longueur les différentes couches visuelles : ciel/glaciers/lac/terre. Comme chaque couche est bien définie, le choix du format portrait ajoute un esthétisme visuel. La sensation de vertige est créée par le fait d’avoir une personne en bas de l’image qui apporte une échelle humaine et amplifie l’aspect spectaculaire. Intégrer une personne dans un paysage en tant que spectateur permet de s’immerger plus facilement dans la scène et d’intensifier le paysage. On se projette alors à la place de cette personne et on devient acteur de la scène et non plus simple spectateur.

Tous les éléments sont bien proportionnés, mais la couche terrestre est un peu trop fine au vu du reste de l’image alors que c’est cette zone qui fait levier vers le paysage. Sans modifier la composition, une solution pourrait être de prendre une 2ème photographie cadrée beaucoup plus bas (environ 20%), et de rattacher les deux images dans Photoshop. Ceci ne modifie pas la composition de l’image mais nécessite d’y penser au moment où on prend la photographie (avec un trépied de préférence).

Les plus :

• Une composition esthétique qui exploite bien le format portrait
• Un sujet prenant avec de belles couleurs
• Une présence humaine qui amplifie le paysage

 Les axes d’amélioration :

• Les couleurs pourraient être un peu plus saturées pour bien visualiser les différentes couches
• Une zone terrestre un peu trop fine par rapport aux autres éléments

Pour aller plus loin :

• Critique Photo #7 : Michel
• Critique Photo #9 : Tina
• Critique Photo #10 : Damien

Requiem pour un géant du photojournalisme : fail sur la première capture, ça vient de Flickr ça  - Mediapart

• Comment le Leica M9-P Edition Hermès est conçu – Youtube
• Smartphones et appareils photo : rivaux ou complémentaires ? – Les Numériques
• 121 Mégapixels, qui dit mieux ? - Planet Earth
• Découvrez le pays qui voyage dans votre cœur / Fotopedia Maroc, GRATUIT dans l’App Store – Fotopedia
• 2 nouveaux Canon en juin ? – Canon Rumors

Pour aller plus loin :

• Scrabble, purement et simplement
• Photographie aquatique : Alice in WaterLand d’Elena Kalis
• MP #47 : Améliorer l’interface de Flickr grâce à plus de 10 scripts GreaseMonkey

Découvrez tout de suite l’interview photo de Lorenzo Accardi.

Avant tout, présente-toi en quelques mots

Bonjour, je m’appelle Lorenzo ACCARDI et j’ai 32 ans. Je suis né à Paris en 1980 et j’ai ensuite vécu mon enfance en Italie. Mon père étant italien, ma mère et moi l’avons suivi dans son pays, et j’y ai appris l’italien. Après la séparation de mes parents je suis retourné vivre en France à l’âge de 5 ans. J’ai vécu à Paris jusqu’à mes 15 ans puis je suis venu m’installer sur Avignon.

Depuis quand fais-tu de la photo ?
J’ai débuté la photographie il y a environ 12 ans. J’avais déjà fais la rencontre de l’appareil photo de mon père plus jeune mais cela n’avait pas éveillé ma passion. Celle-ci est arrivée plus tard. Je dois avouer qu’au début les photos n’étaient pas tout à fait les mêmes qu’aujourd’hui à la fois techniquement et de par leurs message.

Qu’est-ce qui te plais le plus dans le métier de photographe ?
En premier ce qui me plais dans le métier c’est la partie création, la magie, créer des images à la fois des gens et des situations. C’est vraiment très appréciable de pouvoir capturer des émotions, des formes et des courbes qui visuellement sont intéressantes.

Ensuite j’aime le contact avec les gens, chaque séance ou mariage est une nouvelle rencontre durant laquelle nous allons immortaliser quelque chose.

Sur ton site on peut voir des photos très différentes, quel type de photos affectionnes-tu le plus ?
Effectivement dans mon travail j’essaye de me diversifier au maximum et surtout de m’intéresser à tous les styles de photo sans pour autant me perdre. Ce que j’affectionne tout particulièrement comme la plupart des photographes c’est la photo artistique, celle ou le photographe peut s‘exprimer en laissant libre court à son imagination. Après j’aime la photographie de mode et le reportage.

Quel matériel photo utilises-tu ?
Très tôt je me suis « marié » avec la marque Canon. J’emploie le terme « marié » parce que lorsque l’on commence à s’équiper on a du mal à changer de marque pour une question de compatibilité du matériel. Aujourd’hui je travaille avec 2 boitiers le 5d et le 5d mark II. Pour l’éclairage en studio j’utilise des flashs Elinchrom qui ont je pense le meilleur rendu qualité/prix du marché et des fonds papier Colorama.

D’où t’es venu l’idée de cette série « Lâchez Prise » ?
Lâchez prise a débuté avec une image : la scène du billard et a ensuite évoluée dans toutes les pièces de la maison. J’ai trouvé ça fun, et on a décidé de faire une série de 6 photos.

La première chose qui nous frappe en regardant ces photos, c’est la technique. Peux-tu nous dire comment tu as réalisé ces images ?
Il est vrai que la technique a été très importante dans cette série. Il y a un mélange de superposition d’images et de réel. Pour vous expliquer un peu la technique je vais prendre la photo de la cuisine comme exemple.

Dans cette scène nous avons 2 personnages. Un sur une chaise et l’autre au plafond. Le personnage situé au plafond était en réalité sur un escabeau. Il a donc fallut prendre une photo du décor vide puis une photo de la scène avec le personnage sur l’escabeau. Ensuite avec Photoshop j’ai effacé l’escabeau en le remplaçant par le contenu de la photo de décor vide.

Pour le reste du décor et des objets j’ai utilisé du scotch double face, de la pâte à fixe et des fils de pêche que j’ai effacé à la retouche.

Pour finir, quels conseils donnerais-tu à quelqu’un qui débute en photographie ?
Je lui conseillerai de changer de métier ! Plus sérieusement la passion avant tout et la patience. Je crois que la meilleure école c’est la pratique mixée à la curiosité. C’est en cherchant et en observant les résultats obtenus que l’on apprend les petits secrets. Puis il y a toute une partie qu’il ne faut pas négliger c’est la retouche de l’image. En effet c’est 50% du résultat. Je dirais 50 % à la prise de vue et 50% à la retouche. Pendant la prise de vue on prépare l’image et à la retouche on la termine.

Merci Lorenzo pour cet interview. Vous pouvez retrouver tout le travail de Lorenzo Accardi sur son site internet.

Pour aller plus loin :

• MP #85 : Plongée et contre-plongée, deux techniques pour changer de point de vue
• Marc Hoppe, photographie de nus sculpturales
• L’oeil du viseur, le monde raconté par ceux qui font la photographie

Pour aller plus loin :

• Concours photo : « Demain c’est maintenant », avec les Editions Le Cherche Midi
• Résultats du concours photo : « Demain c’est maintenant », avec les Editions Le Cherche Midi
• Sunday Links

Photo de Horst Faas avec des militaires sud-vietnamiens

Ce photographe, connu pour avoir couvert des guerres, des révolutions, les Jeux Olympiques et bien d’autres événements, s’est fait un nom dans le monde des photojournalistes.

Voici quelques photos de Horst Faas prises lors de la guerre du Vietnam.

Via AFPPour aller plus loin :

• Sergei Larenkov : entre guerre et paix
• Hans Kemp – Bikes of Burden
• Zoom photographe #4 : Oliviero Toscani

Au cours de son enfance, Rebeca a été très inspiré par le piano, la peinture, le ballet, la poésie et le théâtre et cet univers doux et artistique ressort très bien dans ses photos. Voici une sélection de ses plus beaux clichés :

Un petit détail qui n’échappera à personne : Rebeca utilise très bien le tatouage numérique (watermark) pour signer ses photos, avec très souvent une très bonne intégration au sein même de la photo. Au final, sa « signature » ne gêne pas l’oeil, et même si je suis plutôt contre les watermarks apposés sur une image, ici c’est très bien réalisé.

Si vous êtes curieux, Rebeca utilise du matériel Canon. A ses débuts, un Canon EOS 550D l’accompagnait, avec toujours le très bon cailloux Canon EF 50 mm f/1.4 USM. Aujourd’hui, Rebeca a mis à jour son matériel avec un Canon 5D Mark II.

Vous pouvez retrouver l’ensemble des photos de Rebeca sur Flickr, 500px et sur son site.

Pour aller plus loin :

• Zoom photographe #5 : Li Wei
• Zander Olsen : des arbres et des lignes
• Zoom Photographe #8 : Cindy Sherman

Image de la série intitulée « All By Myself » qui témoigne de son propre délabrement, physique et mental.

Nan Goldin est née en 1953 à Washington. Elle est rapidement obsédé par la photographie et entre à l’école des beaux-arts de Boston où elle rencontre le photographe David Armstrong, qui deviendra drag queen en même temps que son premier modèle. Nancy côtoie ce milieu marginalisé qu’elle photographiera tout au long de sa vie. Pendant 16 ans elle va travailler à sa série qui la rendra célèbre, The Ballad of Sexual Dependency, constituée de plus de 800 diapositives. Les principaux thèmes évoqués sont la fête, la drogue, la violence, la liberté sexuelle, mais c’est avant tout un témoignage sur la condition humaine et sur les difficultés de la vie. Nan Goldin est confrontée au début des années 1980 à l’apparition du sida, qui décime ses amis proches qu’elle photographie, de leur vie quotidienne à leur cercueil. Le travail de Nan Goldin a désormais évolué vers des ambiances moins destructrices et plus tendres.

Que faut-il comprendre de son univers très particulier ?

Il s’agit d’une des photographes les plus marquantes du 20ème siècle. Jamais Nan Goldin ne quittera son appareil photo : ses images sont sa mémoire et elle ne cache rien. C’est d’ailleurs ce qui caractérise le plus cette surprenante photographe : son authenticité, son goût du « vrai », sans censure. « Rien n’était calculé » dit-elle à plusieurs reprises.  On y voit des individus comme ils sont et cela se ressent dans ces images parfois floues, mal cadrées dans une lumière crue ou avec un flash de face (ce qui casse toutes les règles de la photographie classique : on est au coeur de la contre culture américaine). Ce sont des images prises sur le vif. Elle ira même jusqu’à se photographier peu après avoir été battue par son petit ami de l’époque, ce qui avait manqué de lui faire perdre un œil.

« J’ai commencé à prendre des photos à cause du suicide de ma soeur. Je l’ai perdue et je suis devenue obsédée par l’idée de ne plus jamais perdre le souvenir de personne. »

Dans cette image prise juste après un rapport sexuel avec son compagnon Brian, on y voit clairement l’ambivalence du couple, elle le regarde alors qu’il lui tourne le dos.

Beaucoup pensent que son travail porte sur la drogue, les fêtes et « l’underground », mais ce qui l’intéresse c’est la condition humaine, le comportement physique des individus et leur relation avec leur corps. Elle joue beaucoup sur l’éclairage, ce qui confère à ces clichés une grande sensualité, mêlant le fond et la forme. « Pendant des années mon travaille a traité de la dépendance sexuelle (…) je suis obsédé par le fait qu’on puisse être attiré par quelqu’un qui ne vous convient pas tant sur le plan affectif que sur le plan intellectuel ».

« Pourquoi ce besoin d’être deux est-il si fort ? »

« Ce qui m’intéressait le plus c’est de photographier le comportement physiques des gens, leur sexualité, leur identité sexuelle. Dès le début de mon travaille sur les travestis, je les percevais déjà comme un troisième sexe. »

Son style et ses photographies sont à l’image de sa propre vie : spontanée, impulsive et obsessionnelle.  C’est l’art de la photographie qu’on prend sur le vif et qu’on décrypte après. Nan Goldin, c’est une vie marquée par des suicides, des maladies, de la violence, des drogues et de la sexualité. Elle suivra ses modèles jusqu’à leur mort, en y montrant toute la complexité de la vie. Derrière un sombre décor apparaît un hommage à la beauté et à la nature humaine. Parce qu’elle a brisé tous les codes de la photographie, parce qu’elle a montré l’homme sans tabou et parce qu’elle a capturé le « naturel » avec une telle intensité qu’elle est devenue une des photographes incontournables du 20ème siècle.

Pour en savoir plus, je vous recommande chaleureusement un court documentaire : Contacts Photography, ainsi que des liens utiles : wikipédia et photonumerique.

Pour aller plus loin :

• Zoom Photographe #7 : Sally Mann
• Zoom Photographe #8 : Cindy Sherman
• Ian Fisher : un soldat américain suivi pendant 27 mois par des journalistes

Voici donc toutes les participations :

L’équipe Phototrend a sélectionné les photos d’Alexandre et de Levarwest et tous les deux remportent le premier numéro du bookzine WE DEMAIN. Voici leurs photos.

Alexandre : La petite ceinture de Paris l'été dernier. C'est une ancienne voie ferrée faisant le tour de Paris à l'intérieur des maréchaux. Elle a été laissé à l'abandon pendant plusieurs décennies et plusieurs projets de réaménagement sont en cours. En attendant cette citée HLM qui est bien à l'intérieur de Paris ( entre Crimée et Porte d'Aubervilliers) nous offre un spectacle presque post apocalyptique à l'image de certaines villes de Tchernobyl où la nature a repris ses droit sur l'architecture humaine. Peut être qu'un jour Paris pourrait ressembler à ça après un excès de folie des Hommes.

Levarwest : A ce qu'il paraît, demain c'est maintenant

Un grand bravo à tous les deux, ainsi qu’à tous les participants.

Pour aller plus loin :

• Les résultats du concours « D’un autre point de vue »
• Concours photo : « Demain c’est maintenant », avec les Editions Le Cherche Midi
• Résultat du concours Photocite « Le temps »

• Nikon France : « Nos amis @phototrend on d’ailleurs un petit article bien pratique pour photographier les étoiles ou la lune » - MP #75 : Comment prendre en photo les étoiles (ou la lune)
• Jusqu’à 80€ de remboursement chez Pentax pour tout achat d’un K-5 et d’une optique Pentax – Pentax
• Les résultats du concours photo Instagram organisé par Vanguard France (Phototrend était jury) – Vanguard
• Découvrez Blurb.fr avec -15% de réduction en utilisant le code FRBL15 du 5 mail 20 mail 2012 – Blurb

• Une rétrospective de nos appareils photos, en pixel art – Vimeo
• Les coulisses du shooting de Melissa Rodwell pour Kurv Magazine – Vimeo
• Nikkor 85mm f/1.8G. Portrait avec recul – 1oeil2yeux
• Facebook is bringing photo filters to all phones, leveling the Instagram advantage? – The Next Web
• Instagram fait son appareil photo – Youtube
• Canon a corrigé la fuite de lumière sur les 5D mark III, mais de quelle manière ? Lens rentals
• Pinterest crédite les photos provenant de Flickr – Blog de Pinterest
• La photo depuis l’espace – Luminous Landscape
• dobe Lightroom 4.1 RC2 (beta publique) est disponible – Adobe
• Chernobyl’s Legacy, 26 Years Later – BusinessWeek

Pour aller plus loin :

• Joyeux Noël
• Joyeux Noël !!
• Jack Radcliffe : 32 ans dans la vie d’Alison

Canon EOS 7D-10mm, f/11, 1/125, flash interne

C’est une belle ambiance de plage de galets avec une barque abandonnée. Au loin, on reconnaît la célèbre falaise d’Étretat. L’effet fisheye donne une dynamique intéressante au paysage et évite l’aspect « carte postale ». L’image se tient mais certains éléments auraient pu être améliorés.

Premièrement, la lumière choisie est une lumière intense qui ne met pas forcement en valeur la scène (ciel et mer notamment) et qui implique des couleurs un peu ternes. L’idéal, surtout pour ce genre d’ambiance, est de s’y prendre au lever ou au coucher du soleil. Une autre façon pour exploiter la lumière, sans utiliser le flash interne, est de faire du HDR en surexposant la barque (à contre-jour) et en sous exposant le ciel – sans nécessairement tomber dans les extrêmes de certains HDR surréalistes. On peut bien sûr en post production modifier les tons moyens et clairs, dans ce cas shooter en RAW peut grandement vous aider.

Au niveau de la composition et du cadrage, tous les éléments sont clairement définis, mais ils ne sont pas forcément positionnés de manière idéale. On est un peu entre deux types de cadrage : à la fois une scène de paysage mais sans trop montrer la plage ni même la falaise (en partie cachée par la pointe de la barque), et à la fois un cadrage serré sur la barque mais sans pour autant apporter des détails sur le bateau (texture, reflets, couleurs…). De plus, la palette en bois aurait pu être cachée derrière la barque.

Un point de vue légèrement différent pourrait être créé en se rapprochant de la pointe de la  barque, sur le dessus, pour mieux voir l’intérieur, ce qui aurait permis de recentrer le sujet, d’exploiter les textures et les couleurs de la barque,  et enfin d’aérer la partie haute de l’image (la falaise).

Une autre idée serait d’exploiter au maximum l’effet fisheye et le dynamisme. Cet effet est souvent utilisé pour du « street art », il serait intéressant de mélanger les styles en saturant un peu plus les couleurs et en rajoutant un filtre (comme pour un effet lomographie) pour donner un visuel plus « urban » (voire utiliser un effet flare). Le résultat peut ne jamais valoir le coup, mais cela reste à essayer.

Les plus :

• Une composition riche : mer, galets, falaise et barque
• Un effet fisheye qui contraste avec ce type de paysage

 Les axes d’amélioration :

• Une lumière un peu trop directe qui ternit les couleurs
• Un cadre pas suffisamment exploité étant donné l’objectif utilisé
• Possibilité d’intensifier le style fisheye

Pour aller plus loin :

• Critique Photo #13 : Rémi
• Critique Photo #7 : Michel
• Critique Photo #9 : Tina