Pour vous aider à débuter, nous vous avons concocté une liste des choses à absolument faire avec votre nouvel appareil photo numérique.

Sortez de chez vous et prenez le monde en photo

Il ne fait aucun doute que vous avez déjà pensé à cette idée maintenant que vous êtes équipé. Mais ne laissez pas les jours et les semaines passer. Même si parfois il fait froid, que le temps hivernal ne se prête pas pour vous à la photographie, sortez avec votre appareil et prenez des photos. Avec une batterie chargée à bloc et une carte mémoire prête à recueillir vos premières photos, partez à l’exploration de votre environnement et photographiez-le. Ces moments vont vous permettre de prendre vos premières marques avec votre matériel, de le sentir, de comprendre un peu mieux son fonctionnement, ses mécanismes et sa personnalité. Oui, un boîtier a bien une personnalité, et c’est d’ailleurs pour ça que certains restent attachés à une marque (autant que pour la gamme d’objectifs et accessoires acquis avec le temps).

Au fait, n’oubliez pas de bien régler la date et l’heure de votre appareil.

Lisez le manuel de votre appareil

Maintenant que vous êtes rentré chez vous, vous avez sûrement rencontrés quelques difficultés avec votre matériel. C’est normal et ce n’est pas très grave, car votre manuel est là. Oui, vous savez, ce pavé qui vous a été livré avec votre appareil, et qui de prime abord n’est pas très attrayant. Cependant, le manuel écrit par votre constructeur n’est parfois pas si mal, et vous pourrez trouver la réponse à de nombreuses questions. Bien entendu, si le manuel était suffisant, de nombreux sites photos (dont Phototrend) ne seraient pas là, et après avoir lu quelques pages, vous l’avez vite refermé. Voici juste un petit conseil : ne mettez pas votre manuel au grenier, car si vous avez des questions très précises sur votre matériel, ce sera le premier à pouvoir y répondre. Certains vous diront de l’ajouter à la pile de magazine qui traînent dans vos toilettes, c’est à vous de juger .

Utilisez le format RAW

Si vous venez de l’univers des compacts, le terme RAW vous est totalement inconnu. C’est pourtant une des grandes forces des boîtiers reflex (et de plus en plus pour certains hybrides). Le format RAW est en quelque sorte l’inverse du JPG. Si le JPG est léger et compresse vos images, empêchant toute retouche sans altérer votre photo, le RAW est quand à lui plus lourd, mais garanti un fichier non compressé qui pourra être retouché sans perte de qualité sur votre ordinateur. Pour en savoir plus, je vous invite à consulter notre Mercredi Pratique dédié au format RAW. Pour nous, le RAW a énormément d’avantages, et permettra vraiment de tirer parti du capteur de votre reflex. En revanche, le revers de la médaille sera un temps de traitement plus long qu’avec un simple JPG, alors n’hésitez pas à choisir l’option RAW + JPG pour enregistrer vos images à la fois en JPG et en RAW sur votre carte mémoire. Le JPG sera parfait pour rapidement partager vos photos avec vos amis, et le RAW vous sera utile pour retoucher votre photo et archiver une version « brute » de votre image.

Dites au revoir au tout automatique

Si vous venez de faire l’acquisition d’un reflex, c’est sûrement parce que vous en aviez marre du « tout automatique » des compacts, qui ne vous permettent pas de construire votre propre photo avec vos réglages. Avec votre reflex, la première chose que nous vous conseillons est de fuir le mode « tout automatique ». Très souvent, il est représenté sur la roue de sélection de modes par un appareil photo vert. Attention, ce mode permet d’obtenir des images de très bonne qualité, mais je vous conseille tout de même d’utiliser le mode manuel, ou tout du moins les modes semi-manuels que sont le mode priorité ouverture et priorité vitesse. Selon la marque, ces modes ne sont pas nommés pareils, mais ils permettent de choisir la profondeur de champ (priorité ouverture) ou la vitesse d’obturation (priorité vitesse). Si ces termes sont un peu obscurs pour vous, faites un tour dans notre article explicatif sur le couple vitesse / ouverture en photographie.

Attention, un reflex numérique n’est pas tout puissant

Si vous pensiez que votre nouveau reflex allait vous transformer en photographe professionnel d’un coup d’objectif, vous avez malheureusement tord. Chez certains, il fera sûrement naître une vocation pour la photographie, mais chaque boîtier a ses limites et c’est à vous de les connaître et de les apprivoiser. N’hésitez pas à faire quelques tests dans des conditions difficiles, par exemple lorsque le soleil se couche, ou lorsqu’une lumière artificielle est présente sur l’image. Vous verrez que votre appareil photo se comporte différemment. Dans certains cas, il faudra monter en ISO pour que votre image ne soit pas floue, mais au prix d’une augmentation du bruit numérique, ces petits pixels que l’on voit apparaître un peu partout sur l’image. Ce n’est qu’en poussant son boîtier dans ses derniers retranchements que vous progresserez, alors autant vous y faire tout de suite.

Réfléchissez dès maintenant à votre stratégie de stockage pour vos photos

Le reflex numérique vous fera sûrement prendre énormément de photos, et les images d’un boîtier reflex pèsent bien plus lourd que celles d’un compact (surtout si vous avez suivi notre conseil concernant le format RAW). Alors si vous n’avez pas encore de stratégie de stockage pour vos photos, il vous faudra vous y mettre avant d’être submergé par toutes ces images. Heureusement pour vous, il existe aujourd’hui plusieurs logiciels (gratuits ou payants) qui vous permettent d’organiser et de retoucher vos photos. Parmi eux, Picasa de Google, ou iPhoto d’Apple (si vous êtes sur Mac) sont des solutions gratuites et suffisantes pour débuter. Si vous souhaitez utilisez des logiciels plus puissants, nous vous conseillons Adobe Lightroom (PC ou Mac) ou bien encore Aperture (sur Mac).

Lightroom est actuellement en promotion, profitez-en !

Ces logiciels vous permettront de regrouper vos photos dans un seul endroit, de leurs appliquer des tags et de les organiser afin de pouvoir les retrouver, même plusieurs années plus tard. Il ne faut pas prendre ce sujet à la légère, car vos photos numériques seront sûrement le bien numérique le plus précieux que vous aurez en votre possession. Si vous souhaitez en savoir plus sur comment stocker vos photos, je vous invite à consulter notre Mercredi Pratique sur le stockage, la sauvegarde et l’archivage des photos.

Ne prenez pas trop de photos

Aujourd’hui, avec le numérique, le photographe a en quelques sortes aboli les limites du stockage. Vous pouvez toujours acheter plus d’espace et de disques durs pour stocker vos photos. Attention donc à la boulimie de photos. Un bon photographe est, selon moi, quelqu’un qui sait se limiter et ne pas trop prendre de photos. Voici un article que vous devriez lire, au sujet du manifesto « A Lesser Photographer » de C.J. Chilvers. D’ailleurs, votre boîtier a quand même une limite, souvent méconnue, qui est le nombre de déclenchements garantis par le constructeur. Selon le boîtier (et notamment la gamme), le constructeur garantit un nombre de déclenchements qui se situe entre 50 000 et 400 000. Bien sûr, on ne parle pas de garantie matérielle, mais seulement d’une indication sur la durée de vie de votre déclencheur (c’est une partie mécanique, et donc qui s’use).

Apprenez la photographie avec nos Mercredi Pratique

Enfin, et parce que nous sommes là pour vous aider, je vous invite à découvrir tous les Mercredi Pratique de Phototrend. Ces articles, publiés le mercredi, vous permettent de découvrir chaque semaine un point précis de la photographie numérique. Parfois, il s’agit de techniques photos, de mises au clair de certaines expressions très utilisées en photo mais encore obscures, et d’autres fois de conseils plus pratiques, pour vous aider à appréhender la photographie dans toutes les situations.

Retrouvez dès maintenant tous nos Mercredi Pratique, ainsi que notre ebook photo. Et rendez-vous la semaine prochaine. D’ici là, bonne découverte, et n’hésitez pas à laisser vos commentaires en fin d’article si vous avez des questions précises.

Article inspiré de PopPhoto.

Pour aller plus loin :

• Phototrend est jury pour le concours photo de Monnuage.fr
• Planète Parr au Jeu de Paume
• La rentrée des concours photos !

Cela fait un total de 98 Mercredi Pratique (bientôt 100 !) disponibles dans notre catégorie phare : les Mercredi Pratique.

Les 10 articles les plus lus sur Phototrend en 2011

Grâce à notre outil de statistique, nous avons pu suivre les Mercredi Pratique les plus lus sur Phototrend en 2011. Certains thèmes sont devenus de grands classiques, comme par exemple le bokeh, ou encore la photographie de feu d’artifice, et Phototrend devient petit à petit une source d’information riche pour les photographes en herbe.

Sans plus attendre, voici donc les 10 Mercredi Pratique qui ont marqués l’année :

• Comment réaliser un bon Light Painting ?
• Monter son studio photo maison à coût réduit
• La technique du bokeh, toujours autant appréciée
• Comment prendre en photo les étoiles (ou la lune) ?
• Photographier des gouttes d’eau
• Pourquoi utiliser un pare-soleil sur son objectif ?
• Règles et astuces pour réussir un portrait
• Comprendre et maîtriser l’hyperfocale
• Choisir et bien utiliser son flash
• Comment prendre des photos de feu d’artifice ?

J’espère que vous les connaissez déjà tous par coeur, ou sinon il faudra les relire

Quelques conseils photo pour les fêtes de fin d’année

Comme je disais plus haut, la fin de l’année est très souvent l’occasion de retrouver sa famille, ou bien ses amis et de profiter d’un petit moment de repos avant d’entamer la nouvelle année. Certains d’entre vous auront la chance de trouver du matériel photo sous leur sapin (nous espérons que les guides d’achat Phototrend 2011 vous auront aidé à prendre votre décision), ou simplement trouveront le plaisir à expliquer la photographie à leur entourage.

Pour vous accompagner lors de ces fêtes, retrouvez tous nos conseils pratiques pour vos photos de Noël.

Joyeux Noël photographique !

Pour aller plus loin :

• Des portraits de soldats marqués par la guerre
• L’oeil du viseur, le monde raconté par ceux qui font la photographie
• Bon anniversaire Roman

Penser son matériel

Si n’importe quel appareil photo vous permettra de faire de beaux portraits, certains types de produit sont mieux adaptés. L’appareil en lui même a finalement peu d’impact sur la photo finale : il ne devrait pas être nécessaire de beaucoup recadrer, ce qui limite l’importance du nombre de pixels ; de même, la lumière étant préparée souvent avec soin, la qualité du capteur en basse lumière n’est pas cruciale.

Les optiques en revanche ont un des rôles les plus importants pour bien réussir ses portraits. C’est elle qui va capturer l’image et lui apporter son cachet. Et parmi les critères de choix pour votre optique, le principal est sans conteste l’ouverture.

Venons-en au choix de la focale. Pour vous aider dans votre shooting, il y a plusieurs solutions à utiliser en fonction de votre cadre de prise de vue, de la distance avec le sujet et de l’effet recherché :

• Objectifs classiques à focale fixe : parfaitement adaptés aux portraits (sans être exclusifs), les 35, 50 ou 85 mm sont les objectifs rois de la discipline. Ils offrent notamment un piqué exceptionnel pour un prix « dérisoire ». Et leur ouverture est également un gros point fort.
• Téléobjectifs : ils permettent de s’éloigner du sujet et de plus facilement le faire ressortir du fond. C’est également pratique pour gagner en spontanéité en se faisant oublier du sujet.

Enfin, il ne faut surtout pas négliger tout ce qui touche à la lumière : n’hésitez à relire notre MP au sujet du flash ou encore le MP pour bien monter son studio maison.

Penser son environnement

Réussir un portrait ne veut pas seulement dire réussir la photo d’un visage ou d’une personne, c’est aussi bien l’intégrer – ou non – dans son environnement, exploiter le cadre et l’arrière plan pour mettre en avant le sujet ou faire passer un message, une atmosphère.

Une idée très simple à mettre en oeuvre est de penser à éloigner votre sujet de son arrière plan. Pour la prise de vue, cela facilite la création d’un flou d’arrière plan ainsi que l’augmentation du contraste entre le sujet et l’arrière plan. Ce deuxième point permet par exemple de faire ressortir les différents éléments dans une photo en noir et blanc.

Mais surtout, évitez les distractions. Il faut que l’oeil de votre spectateur aille directement à l’essentiel et qu’il ne se perde pas dans des détails superflus. Et il peut s’agir de petits détails : une couleur qui détonne dans l’arrière plan, un sujet qui bouge au loin, un manque de détachement du sujet principal, des lignes qui éloignent l’oeil du sujet… Et pour le portrait d’une personne en particulier, évitez pas exemple de mettre plusieurs visages !

Penser ses couleurs et sa lumière

Il existe de nombreuses méthodes pour rendre son portrait plus original et le bon usage des couleurs et de la lumière fait partie des éléments pour réussir.

Nous vous conseillons par exemple de pousser les limites de la photographie et de faire apparaître un défaut appelé le flare (une des aberrations optiques). Bien qu’étant une lumière considérée comme parasite, le flare donne un cachet à l’image sans dénaturer le sujet. Il suffit pour cela de placer le sujet dans l’axe d’une forte source de lumière, comme sur l’image ci-dessus. Et certains appareils ont même tendance à le produire naturellement (comme le Lomo).

Vous pouvez également utiliser votre flash lorsque vous risquez un contre-jour non souhaité et/ou que certaines zones du sujet sont dans l’ombre. Cette méthode s’appelle le fill-in et consiste à « déboucher » une image ou plus particulièrement une zone de l’image qui ne serait pas éclairée suffisamment. Si par exemple vous utilisez un fond très clair, vous risquez en contre partie de voir apparaître des zones d’ombres sur votre sujet. Dans certains cas cet effet est souhaité, mais dans d’autres il suffira d’utiliser un flash pour l’éliminer.

De manière générale, il faut trouver des couleurs qui flattent votre sujet, le mettent en valeur. Petite astuce intéressante : complétez la couleur des yeux de votre sujet pour les faire vibrer, avec des couleurs dorées ou sables pour de yeux marrons, ou encore des teintes vertes pour des yeux bleus.

Penser sa prise de vue

Il existe une multitude de manière de prendre une photo pour un portrait, je vais donc me limiter à celles qui nous semblent les plus pertinentes pour réussir son arrière plan et pour avoir une photo originale.

Vous pouvez par exemple utiliser des angles assez marqués. C’est le cas notamment de la plongée ou de la contre plongée : ce sont des points de vue plus inhabituels. La contre-plongée prend le sujet par en bas : dès lors, vous pouvez utiliser un ciel très bleu ou à l’inverse très sombre pour détacher votre sujet. La plongée consiste à prendre l’image du haut vers le bas : dans ce cas, vous pouvez utiliser le sol comme arrière plan.

Mais la composante essentielle reste de créer un beau flou (d’arrière plan évidemment !). Pour bien détacher votre sujet du fond, vous pouvez utiliser différentes méthodes citées précédemment : une optique à très grande ouverture par exemple, ou simplement en éloignant votre sujet de ce qui l’entoure.

Il existe une autre méthode qui consiste à jouer sur l’exposition : pour faire ressortir votre sujet, il suffit en fait que le fond soit très sombre ou très clair. Les appareils photo ne sont pas comme nos yeux et ne sont pas capables d’enregistrer des informations avec une si large gamme dynamique. Concrètement, cela veut dire que si le premier plan sur lequel est fait le focus est très clair, alors le fond paraîtra encore plus sombre qu’il ne l’est vraiment. Cette différence fait automatiquement ressortir votre sujet. Pour réussir, n’hésitez pas à utiliser des objets ou les ombres qui vous entourent et qui pourraient absorber la lumière et avoir un rendu très sombre (ou l’inverse).

Enfin je vous invite à réviser notre MP sur le bokeh : cela peut être un très bon moyen de réussir votre portrait.

Penser… à ne pas suivre ces règles !

Comme toujours, les règles présentées ci-dessus permettent d’avoir une photo bien construite et jolie. Elles sont comme un cadre de travail, un canevas. Si bien les maîtriser va vous permettre de progresser et de prendre de l’aisance dans vos portraits, c’est en les contournant, en les retravaillant, en vous les appropriant que vous ferez les meilleures images.

Dernière petite astuce pour conclure : pensez aux filtres créatifs. Cela peut donner une ambiance totalement différente à une même scène, et vous surprendre au passage.

Tout est dans l

Ne pas toujours détacher l

Ne pas toujours supprimer les distractions

• MP #31 : quelques règles et astuces pour réaliser une photo portrait
• MP #63 : Quelle mesure d’exposition choisir (multizone, pondérée centrale ou spot) ?
• MP #54 : Portraits de rue

Le sujet abordé aujourd’hui, le Camera Tossing, ou encore le jeté d’appareil, n’est pas très populaire auprès des photographes. Peut-être est-ce parce que c’est une technique photographique risquée, ou bien encore parce que les photographes ont l’habitude de prendre des photos avec un appareil dans les mains, et non en l’air. Qui sait.

Avant d’aller plus loin, voici un exemple de photo réalisée avec la technique du Camera Tossing :

Si vous pensez que cette photo est du Light Painting, vous avez raison. Mais ce n’est pas que cela. Nous allons voir dans cet article comment réaliser ce type de photo.

Consignes de base – soyez prudent avec votre matériel

Comme indiqué plus haut dans l’article, le jeté d’appareil n’est pas une technique qui s’adresse à tous, et avant d’aller plus loin, soyez bien certain que cette technique comporte des risques, et que vous pourriez endommager votre appareil (ou bien vous faire mal) si vous ne faites pas attention.

Qu’est-ce que le Camera Tossing ?

Le Camera Tossing (jeté d’appareil) fait partie de la famille des techniques de photographie cinétique (Kinetic Photography), qui, comme son nom l’implique, fait intervenir les mouvements dans la prise de vue. On pourrait dire que la technique du filé fait aussi partie de la photographie cinétique.

Le Camera Tossing consiste à jeter son appareil photo dans les airs tout en l’ayant réglé pour qu’il puisse prendre sa photo en vol. Cette technique est rendue possible par le retardateur et la pose longue. Sans plus attendre, voici comment procéder.

Quel appareil utiliser pour faire un Camera Tossing ?

Certains d’entre vous se sont sûrement déjà posé la question : est-ce que je peux appliquer cette technique photo avec mon appareil photo ?

Comme indiqué plus haut, la seule chose qu’il faut pour pouvoir effectuer un « jeté d’appareil » est un appareil photo (numérique ou argentique) doté d’un retardateur et d’un réglage manuel de la vitesse d’obturation. Les compacts d’entrée de gamme qui ne possèdent que des modes automatiques peuvent également être utilisés avec le mode nuit (et sans utiliser le flash) mais le résultat sera forcément moins convainquant.

Bien sûr, si vous avez un compact et un reflex, je vous conseille fortement d’utiliser votre compact pour prendre ce genre de photos, car vous n’aurez pas besoin des fonctionnalités avancées de votre reflex.

Ok, mais qu’est-ce qu’on photographie ?

Avec le Camera Tossing, ne vous attendez pas à prendre en photo des paysages magnifiques, ou des portraits saisissants. L’élément principal que vous pourrez capturer avec votre appareil sera une forme ou un ensemble de courbes lumineuses. Et oui, quand vous oubliez par mégarde de régler votre vitesse d’obturation lors de vos sorties photos et qu’au lieu de 1/400s vous êtes sur 1 seconde de temps de pose, c’est le même résultat que vous obtenez : des images en surimpression, avec les sources lumineuses qui tracent des lignes assez attendrissantes.

Avec le Camera Tossing, ce sera pareil, et c’est pour cela que je parlais de Light Painting en début d’article. D’ailleurs, il est conseillé de se mettre dans un endroit sombre avec quelques sources lumineuses pour jeter son appareil en l’air, l’effet sera plus réussi. Vous pourrez ensuite par la suite faire cela en plein air, mais les réglages de votre appareil devront changer et votre dextérité à rattraper votre appareil sera mise à l’épreuve.

Les étapes pour réaliser une photo en Camera Tossing

1. Placez vous dans une pièce sombre, avec quelques sources lumineuses (variez les couleurs et les formes si possible) et une surface rembourrée en dessous de vous au cas où l’appareil venait à chuter. Vous m’avez tous compris, un canapé ou un lit sera parfait.
2. Munissez-vous de votre appareil réglé en priorité vitesse (ou en mode nuit avec le flash désactivé) et réglez votre retardateur sur 1 à 2 secondes.
3. Appuyez sur l’obturateur et lancez votre appareil dans les airs. Attention, rien ne sert de le lancer à 1 mètre de haut, d’ailleurs c’est vivement déconseillé si c’est la première fois. Il suffit de lui faire faire des petits sauts dans vos mains et d’évaluer le résultat.
4. Recommencez, recommencez, recommencez.

Si vous n’avez pas compris, voici une illustration réalisée par Frank Chimero :

Quelques astuces pour améliorer votre Camera Tossing

Maintenant que vous avez pu vous confronter à la pratique, le résultat ne sera pas forcément tout de suite au rendez-vous. C’est normal, car cette technique s’améliore au fur et à mesure que vous pratiquerez. Voici quelques astuces :

• Ce qui compte, ce n’est pas la hauteur à laquelle vous lancez votre appareil, mais le mouvement de rotation que vous lui appliquez. Réessayez en lançant l’appareil de manières différentes, et vous aurez des effets et des formes différentes.
• Utilisez des lampes ou des sources lumineuses de couleurs différentes, et de tailles / intensités différentes. Vous pouvez même utiliser vos flashs déportés pour lancer des rafales de flash, créant un effet de filé plutôt réussi.
• Faites vous plaisir. Ce conseil n’en est pas forcément un, mais comme pour toutes les techniques photos que nous vous présentons sur Phototrend, le principal élément pour réussir et de se faire plaisir, et de s’amuser. Laissez libre court à votre imagination, en tentant des choses qui ne sont pas dans cet article, et vous pourrez réussir votre bon Camera Tossing.

Un Camera Tossing en plein soleil, c’est possible ?

Dans cet article, je vous ai volontairement orienté vers le jeté d’appareil photo en intérieur, mais il est bien sûr possible d’utiliser cette technique en plein air, et avec des sources lumineuses plus proche de la lumière ambiante.

En plein soleil, il sera un peu plus difficile d’obtenir un temps de pose long sans obtenir une photo blanchâtre ou brûlée (si vous le pouvez, munissez-vous d’un filtre à densité neutre). La solution sera alors de bien régler son retardateur pour que la prise de vue s’effectue précisément lorsque l’appareil photo est en plein air. Vous pourrez par exemple réaliser des portraits « vus du ciel » ou donner une toute autre dimension à une scène très banale.

Voici un exemple de Camera Tossing effectué en pleine journée :

Un Camera Tossing à la lumière du soleil

Voici quelques exemples de photos réalisées avec la technique du Camera Tossing.

Alors, partant pour découvrir cette nouvelle technique ? N’hésitez pas comme d’habitude à nous envoyer vos photos en commentaire de l’article, et si vous avez des conseils qui nous ont échappé, ils sont les bienvenus.

Découvrez aussi le groupe Flickr Camera Toss pour voir d’autres photos.

Pour aller plus loin :

• MP #75 : Comment prendre en photo les étoiles (ou la lune) ?
• MP #59 : Comment prendre des photos des lumières et des illuminations
• Everyday, ou comment faire son projet 365 sur iPhone

Nous vous présentions hier la technique du Cinemagraph, permettant de donner vie à vos photos en utilisant un Gif animé. La bonne nouvelle est que réaliser un Cinemagraph est à la portée de tous (techniquement en tout cas, seule votre créativité vous limitera).

Matériel nécessaire pour faire un Cinemagraph

Au niveau du matériel, il vous faudra un appareil pouvant filmer (caméscope, smartphone ou votre apn préféré s’il dispose de cette option), un trépied pour la stabilisation et Photoshop (ou consort) pour la réalisation du fichier final. Vous pouvez également prévoir aussi un logiciel tiers de montage pour redimensionner la vidéo,une qualité de 1080p n’étant pas toujours indispensable.

Pour ce MP, j’ai utilisé mon iPhone 4s pour la vidéo avec un support pour le maintenir stable. Pour la production, iMovie m’a permis de redimensionner la vidéo, puis j’ai fait le montage du Gif sous Photoshop CS5. Pensez à cliquer sur les images pour les voir en taille réelle.

Les étapes pour réaliser un Cinemagraph

1. La première étape, après avoir récupéré le fichier sur Mac / PC, est de le redimensionner si nécessaire. Comme je l’ai dit plus haut. J’ai tout simplement utilisé iMovie, où j’ai récupéré la séquence de mon film qui m’intéresse et exporté la vidéo au format 480*272. Bien entendu, Plus votre vidéo a une grande résolution, plus votre fichier gif final sera lourd (si vous gardez cette résolution).

2. Ensuite, ouvrez le fichier avec Photoshop (ou équivalent). Vérifiez bien que la fenêtre animation est ouverte (Fenêtre / Animation)

3. Délimitez la zone de travail et sélectionnez l’image principal, attention ne soyez pas trop gourmand plus votre animation sera longue et plus votre gif sera lourd.

4. Dupliquez le calque de la vidéo et pixellisez le calque le plus bas ( Calque / Pixellisation / Video )

5. Maintenant il faut faire une sélection de la partie qui sera animée. Pour cela vous pouvez utiliser le Lasso Polygonal.

6. Sélectionnez le calque Vidéo et ajoutez un masque

7. Il ne vous reste plus qu’à enregistrer votre film au format web (Fichier / Enregistrer pour le Web et les Périphériques). Il faut bien penser à sélectionner GIF et dans « option de boucle » : Toujours.

Et voici le résultat final :

Voilà, vous savez désormais créer votre Cinemagraph. Vous pouvez partager vos propres créations dans les commentaires. Attention, n’abusez pas du GIF. Et si vous voulez voir d’autres Cinemagraphs, voici le Tumblr If We Don’t, Remember Me qui reprend des scènes de films bien connus.

Pour aller plus loin :

• Le Cinemagraph : le Gif revisité
• MP #90 : Réaliser un Polar Panorama (effet planète)
• Visitez Londres en Stop Motion avec David Hubert

Malgré tout, la stabilisation optique (couplée à des techniques pour obtenir une image nette) ou numérique ne remplacera jamais l’utilisation d’un trépied. Ce dernier est essentiel lorsqu’il s’agit de stabiliser votre appareil, notamment en condition de basse lumière où vous devez avoir un temps de pose plus long que le fameux ratio de la vitesse de sécurité « Temps de pose = 1/focale ». Par exemple, je ne dois pas passer en dessous de 1/70s si ma focale est de 70mm au risque d’avoir une photo floue. En condition de base lumière, cette règle n’est pas suffisante pour avoir une photo bien exposée, et vous pouvez avoir recours au flash, ou à un trépied.

Si vous utilisez un trépied, désactivez la stabilisation de votre boîtier ou de votre objectif

Pour quelle raison, alors que cette stabilisation vous permet d’avoir une image plus nette que sans stabilisation ?

La raison est simple : la stabilisation permet de compenser les mouvements du photographe lors de la prise de vue. En utilisant un trépied, couplé à une télécommande ou à la fonction retardateur de votre appareil, vous ne devriez pas avoir de mouvement lors du déclenchement. Dans cette situation, comment le stabilisateur va-t-il se comporter ? Il va tout simplement chercher à compenser des mouvements qui n’existent pas, avec comme résultat une photo floue alors qu’elle aurait pu être nette. N’oubliez donc pas de désactiver le mode stabilisation quand vous utilisez un tripod.

Heureusement, pour les têtes en l’air, les fabricants d’objectifs ont pensé à vous : certains objectifs sont capables de détecter que vous sur un trépied par l’absence de tremblements, et vont alors désactiver la fonction qui stabilise l’objectif. Je n’ai pas la liste de ces objectifs, mais mon conseil est simple : ne jouez pas avec le diable au risque de rater votre photo, et désactivez bien le mode en utilisant un trépied.

Cela vous aidera aussi à préserver votre batterie

Si vous voulez une raison de plus pour désactiver la stabilisation optique, sachez que cette dernière utilise votre batterie pour fonctionner. En désactivant ce mode, vous économiserez peut-être quelques précieuses minutes et éviterez de vous retrouver à plat.

En conclusion, n’oubliez pas de réactiver ce mode une fois votre shopping terminé Je suis dernièrement parti en Autriche, sous un temps bien gris, et avec la stabilisation en off pendant les deux tiers du séjour, et je m’en mord un peu les doigts .

Photo: FlickrPour aller plus loin :

• MP #20 : la vitesse d’obturation
• MP #91 : Pourquoi la stabilisation optique est plus efficace que la stabilisation du boîtier (selon Nikon)
• MP #75 : Comment prendre en photo les étoiles (ou la lune) ?

Matériel

1. Appareil: J’ai choisi un appareil numérique compact (Canon G12) dont j’apprécie plus particulièrement les caractéristiques suivantes :

• Le zoom 5x : 6.1 (GA)-30.5 (T) millimètres.
• La plage de mise au point macro : 1- 50 cm (GA).
• Le mode automatique facile mais performant, avec désactivation du flash pour une bonne netteté, y compris des bords, avec fond légèrement estompé, contraste moyen.
• Le format 3×2, bien adapté aux clichés verticaux.
• Le rognage secondaire, pour mieux saisir le sujet.

Ce matériel n’est qu’un exemple et non une contrainte. Il est par exemple intéressant d’avoir une optique avec une meilleure ouverture pour travailler avec une très faible profondeur de champ (et pourquoi pas un bokeh).

2. Trépied : permet un bon cadrage, indispensable pour les vitesses d’obturation inférieures au 1/50e, et pour les petites fleurs rampantes.

3. Retardateur : évite le flou suite à l’appui sur le déclencheur

4. Télécommande à distance : précieuse pour photographier les insectes posés sur les fleurs, des papillons butinant sur les fleurs de buddleia (l’Arbre des papillons) aux abeilles…

5. Pare soleil : indispensable en contre-jour pour obtenir des contrastes fidèles et exprimer la finesse de la structure florale.

6. Capteur et diffuseur de lumière : un parapluie en toile écrue, une surface mate réfléchissante blanche, un miroir… dirigé sur une zone trop ou pas assez éclairée, sont parfois intéressants pour retoucher légèrement un contraste bien localisé au moment de la prise de vue.

Conseils pour la mise en scène 

1. Qualité de la lumière : excellente le matin, au printemps, pour mieux saisir les blancs, la violence de certaines couleurs, la transparence délicate des pétales. Recommandée en fin d’après midi, elle est plus aléatoire, mais séduisante pour souligner la fluorescence de certaines couleurs dans la pénombre (exemple : les roses de France Libre). Le recours au flash est à déconseiller, car il produit des contrastes élevés. Nous vous invitions à jeter un oeil aux Golden Hours, elles s’appliquent aussi aux fleurs.

2. Direction de la lumière : elle joue un grand rôle. Directe sur la fleur, la photo sera facile à prendre, mais elle manquera d’ombre, donc de volume. Le contre-jour est préférable, car il crée du contraste, fait avancer la fleur. Le pare soleil requis dans la partie précédente prend tout son sens.

3. Angle de prise de vue : si les images prises à la hauteur même de la fleur sont à écarter car trop plates, la vision axiale du cœur révèlera un splendide décor, tant dans son tracé que dans ses couleurs. La prise en incidence oblique dominant la fleur et dirigée vers le sol est parfaite pour un bon rendu du volume.

4. Distance : son choix est fonction de la recherche du photographe, du type de fleur… il est judicieux de faire un cliché de la plante dans son ensemble, avant de cibler sur la fleur elle-même, et conseillé de photographier la fleur juste après son éclosion.

5. Champ : si le grand champ permet de situer la plante et ses fleurs dans son environnement naturel, un champ plus petit fera apparaître des détails, parfois très peu visibles à l’œil nu, et sera un point de départ d’images suscitant l’émerveillement, en poussant la puissance du zoom. A ce stade, l’usage de la mise au point manuelle conjuguée au même type de contrôle de l’ouverture et du temps d’obturation, permet d’accéder à des images abstraites, faites de couleurs fondues, sans graphisme précis, très séduisantes pour l’imaginaire de celui qui les regarde.

6. Eléments extérieurs :

• Les saisons : durant l’automne et l’hiver, alors que la floraison disparaît temporairement, les fleuristes offrent au photographe le plaisir de réaliser encore de belles images.
• Le  brouillard, la rosée, les gouttes d’eau… donnent aux fleurs une beauté mystérieuse et un rendu encore plus délicat. Le faible contraste inhérent à ce décor facilite la prise des clichés.
• Le vent, même très léger, peut générer un flou en raison du bougé qu’il imprime aux fleurs. C’est pourquoi il faut employer un temps d’obturation rapide, ou immobiliser la fleur par un moyen disposé hors du champ de prise de vue. Ou encore tenter des effets créatifs, mais pas toujours contrôlés.
• Les insectes, hôtes habituels des fleurs, enrichissent l’intérêt de la photo florale qu’ils animent. Veillez tout spécialement à un temps d’obturation rapide, et si nécessaire à l’emploi d’une télécommande à distance.

7. Macro : les fleurs sont un sujet idéal pour la macro, n’hésitez pas à relire notre MP spécifique et à expérimenter.

8. Saturation et désaturation : avec des couleurs très vives et une palette souvent tout aussi large, le post-traiment peut être un moyen de donner une ambiance différente à vos images.

Fleurs et photographies

L’usage du matériel utilisé ainsi que le suivi de ces conseils devraient permettre l’obtention de bons clichés pour les fleurs polychromes : roses françaises, roses anciennes, roses anglaises, orchidées, iris, pensées, buddleias… ainsi que pour celles à dominante bleue : lavandes, campanules, pétunias…

Pour des fleurs parées de couleurs douces à base de : rose,  bleu, jaune, blanc… la recherche d’une parfaite maîtrise de la qualité et de la direction de la lumière sera la clé pour obtenir de bonnes photos, par exemple avec la rose, le muguet, le lys de la Vierge, l’hellébore, l’œillet d’Inde, l’œillet de Chine…

Enfin, les mêmes conseils seront plus que jamais nécessaires, pour les fleurs à très forte coloration, en particulier le rouge en grande surface ; tel est le cas du géranium, du bégonia, du pavot, du rhododendron… pour lesquels la puissance de la couleur gomme souvent la finesse de l’image. Si vous avez des astuces pour mieux les capturer, nous sommes preneurs !

D’ailleurs, c’est parfois en essayant de trouver des mises en scène étonnantes ou en s’inspirant du paysage que l’on fait des clichés décalés et réussis :

Georges et Roman.

Pour aller plus loin :

• MP #48 : La macrophotographie
• Alexandre Orion, Metabiotics
• MP #59 : Comment prendre des photos des lumières et des illuminations

Nous vous avons déjà montré plusieurs time lapses de grande qualité (la parade du 14 juillet, arctic light, aurores boréales, et j’en passe), mais jusqu’à présent nous n’avions pas encore abordé le sujet. Nous allons donc vous présenter les grandes lignes d’une réalisation réussie.

Définition du time-lapse

Un time lapse est une suite de photos à intervalles réguliers que l’on met à la suite les unes des autres pour former une vidéo. La vidéo finale donne alors l’impression que le temps est accéléré.
En fonction des conditions ou de l’effet désiré, on peut par exemple prendre des photos pendant 6h (temps de pose de 1s toutes les 5s donnent 4320 photos) pour une vidéo au final de 2m20 à 30 images/s.

Matériel nécessaire

Le matériel n’est pas primordial pour réussir un bon time lapse, et l’investissement reste minime. En revanche il ne faut pas le négliger pour éviter des erreurs toutes simples.

Un trépied

Comme toujours quand on a besoin d’un trépied, le besoin principal est la stabilité. C’est encore plus vrai dans le cas du time-lapse pour lequel l’effet de la vidéo peut rapidement être gâché par des photos floues ou un effet girouette.  Choisissez-en un fiable et solide (on peut en trouver des vieux pas cher un peu partout). Dans les endroits ventés, le petit plus est de pouvoir lester votre trépied : il gagnera ainsi en stabilité.

Un appareil photo

Idéalement un reflex cela va de soit, mais certains compacts, bridges ou micro 4/3 permettent d’avoir accès aux fonctions que nous recherchons.
Il est par exemple possible sur certains compacts Canon de mettre à jour le système pour avoir accès à des fonctionnalités supplémentaires. Un des plus connus et compatibles avec des dizaines de modèles est sans doute CHDK.
Prévoyez aussi une carte mémoire en conséquence (il est rapidement question de prendre de 1000 à 3000 photos, à 10 Mo la photo, 1000 photos font 10Go).
Si vous avez un grip et une deuxième batterie, c’est le temps de les sortir vous aurez besoin d’autonomie.

Un intervalomètre

Pour l’intervalomètre, il existe plusieurs possibilités, divisées en trois familles :

• Modèles compatibles (linkdelight, satechi,aputure, …) ~25 – 60 €
• Modèles de la marque* (Canon TC-80N3, Nikon MC-36) ~100 – 200 €
• Modèles avancés ou DIY (Little bramper, Promote Control, Nintendo DS, Universaltimer, etc) ~40 – 350 €

*Chez Canon vous avez à disposition EOS Utility, à installer sur son ordinateur (mac ou pc), ceci permet de paramétrer son boîtier, de faire la mise au point, déclencher et utiliser l’intervalomètre intégré au logiciel.
C’est la technique que j’utilise personnellement car je peux directement visualiser sur un écran d’ordinateur les photos déjà effectuées sans avoir à attendre la fin, et je ne me pose pas la question du stockage vu que les photos sont automatiquement vidées sur le disque dur de l’ordinateur.

Pour les appareils compacts il existe aussi des solutions avec CHDK et OMNI intervalometer 3

Un ordinateur

Rien de spécifique, seulement deux outils qui vont nous permettre de renommer et redimensionner les photos en lot, et un autre pour générer la vidéo.
Ces deux outils sont irfanview (windows), xnview (mac) et ffmpeg (windows), ffmpegX (mac)

Procédure

La prise de vue.

Avant tout préparez minutieusement votre installation et vos réglages car une fois commencé on ne peut plus arrêter un timelapse pour le reprendre après.
Evidemment ce genre de vidéos est plus intéressant lorsqu’il y a une partie fixe et une partie mobile. Toutes les règles de la photo s’appliquent donc au cadrage nécessaire pour réussir un timelapse. Il en est de même pour vos réglages de vitesse et d’ouverture.
Une fois tout ceci fait, il ne vous reste plus qu’à faire vos mesures avec des photos de test et à poursuivre.

Le calcul et le réglage de l’intervalomètre

1 seconde d’intervalle / (1/25s) = 25x d’accélération

Pour déterminer ce calcul, il faut d’abord estimer à quelle vitesse les éléments bougent, et à quelle vitesse on veut qu’il soit retranscrit dans la vidéo. Par exemple si c’est un carrefour en pleine journée on va chercher à avoir des mouvements fluides. Pour cela il faudra un intervalle court. L’inverse sera aussi vrai pour les scènes qui bougent lentement.

Quelques repères de temps de pose:

• 1 seconde : Trafic en mouvement, nuages en déplacement rapide, …
• 1 – 3 secondes : Couchers de soleil, nuages en déplacement lent, …
• 15 – 30 secondes : Mouvements d’ombres, Soleil dans le ciel (sans nuages) étoiles (15 – 60 seconds)
• Plus long : Plantes à croissance rapide (vigne) (90-120 secondes), projets de construction (5-15 minutes)

Surtout n’oubliez pas que le temps total de l’intervalle doit être plus long que le temps d’exposition, il faut laisser le temps à votre appareil d’enregistrer la photo.

Autre exemple, si vous voulez capturer un évènement de 3h30 (3.5h) et en faire une vidéo d’1m30(1.5m).
Il faut alors faire le calcul suivant : 3.5h = 210 minutes, et 1.5 minutes = 90 secondes. Nous avons alors 210/90*2.4 (2.4 étant le facteur multiplicateur de 60/25 i/s) = 5.6. Il faut donc régler votre intervalle à 5.6s. On peut alors calculer le nombre d’images nécéssaires, soit 210 minutes * 60 secondes par minute / 5.6 secondes d’intervalle = 2250 images (11Go à 5Mo la photo).

 Réglage du boîtier

• Réglez vos ISO au plus bas car vous voulez la meilleure qualité et le moins de bruit possible sur vos photos.
• Pensez à la balance des blancs, cela vous évitera de détériorer vos images si vous êtes en JPEG simple, ou de modifier tout votre lot de photos en RAW (et même si vous avez le temps je suis sûr que vous serez content de vous garder d’un batch de 1000 images).
• Faites la mise au point à la main pour éviter une quelconque modification, surtout lors des photos de nuit.

Et c’est parti, lancez le premier déclenchement et commencez à chercher une occupation
L’avantage de la méthode avec l’ordinateur branché c’est que vous pouvez des les premières photos vérifier que tout se présente bien. C’est moins grave de recommencer les 5 premières minutes que de se rendre compte que les 2 premières heures sont floues et sous-exposées.

Création de la vidéo

Une fois que vous avez fait votre série de photo, et qu’elle sont sur votre ordinateur, profitez-en pour faire des petites retouches si besoin et attaquez la dernière partie.

Traitement de la vidéo

Vous pouvez utiliser l’interface ffmpeg, mais dans notre cas la ligne de commande ci-dessous reste le plus simple :

« ffmpeg.exe -r 15 -i  D:\\TL\image%3d.jpg -vcodec libxvid -qmax 3 test.avi »

• -r 15 : 15 images par seconde sur le fichier de sortie
• D:…  : le chemin vers les photos
• image%3d.jpg : les noms de fichiers commencent par « image » puis sont suivis de 3 chiffres
• -vcodec libxvid : un codec divx par défaut qui donne de bons résultats
• -qmax 3 : qualité maximale de la vidéo, 3 donne des résultats corrects chez moi
• test.avi : le nom du fichier de sortie

A vous de nous montrer ce que vous savez faire ! Pour aller plus loin :

• Photoshoper n’est pas tricher !
• MP #32 : Choisir et bien utiliser son flash
• Pour le 14 juillet, révisez vos classiques avec notre MP sur les feux d’artifice

Avec la photographie numérique, une grosse barrière est tombée. A l’époque du film, le nombre de photos était compté et prendre 30, 60 ou 90 photos impliquait un coût croissant en terme de film et de développement.  Avec l’avènement du numérique, il est désormais possible de prendre de nombreuses photos sans se soucier de l’espace qu’elles prendront car le coût du stockage est devenu marginal pour de nombreux photographes.

Bien entendu, la photographie numérique a de nombreux points positifs, comme notamment la possibilité de voir instantanément le résultat de sa photo et ainsi apprendre plus facilement de ses erreurs.

Mais prendre plus de photos n’est pas la solution pour les photographes, et voici pourquoi.

Plus de photos signifie plus de stockage

Comme indiqué plus haut, aujourd’hui le coût de stockage est devenu dérisoire. Un disque dur de 1To ne coûte aujourd’hui guère plus de 100 euros (et beaucoup moins si vous achetez votre matériel en ligne), et le prix des cartes mémoires est également descendu en flèche, ce qui nous fait penser que l’espace n’est plus limitant lorsqu’on aborde la photographie numérique.

Cependant, chaque photo a un poids, et avec l’augmentation de la taille des capteurs, ce poids est de plus important, pouvant jusqu’à attendre plus de 20 Mo par photo pour certains boîtiers. Prendre de nombreuses photos en rafale lors d’un événement sportif n’a donc l’air de rien sur votre ordinateur, mais à force d’être laxiste sur le nombre de photos que vous prenez, ces bytes s’accumulent sur vos disques durs, et ne passent pas inaperçu. Vous aurez d’ailleurs besoin de plus de cartes mémoires lors de vos voyages pour assouvir votre soif de photographie.

C’est d’autant plus vrai quand vient l’heure de l’archivage. Comme indiqué dans notre précédent article à propos de l’archivage photo, la duplication des disques est essentielle, et l’espace nécessaire peut être rapidement multiplié par 2 ou par 3 selon votre système de sauvegarde, ce qui commence à se faire sentir.

Petit à petit, ces disques durs et cartes mémoires commenceront à peser sur votre budget total, surtout lorsque l’on sait que les disques durs ne sont pas infaillibles et doivent être remplacés au bout d’un certain temps.

Se fixer un régime draconien au moment de prendre vos photos est donc essentielle pour éviter de stocker trop de photos.

Sans limites, pas d’amélioration possible

Ce point en étonnera certains, mais la photographie numérique et la capacité à prendre un nombre illimité de photos est sûrement à l’origine de la médiocrité d’une grande partie des photographes. Avec le film, il était très « coûteux » de prendre de mauvaises photos, car chaque photo avait un coût. Cela forçait donc de nombreux photographes à réfléchir à deux fois avant de prendre une photo, contribuant ainsi à améliorer la manière dont ces derniers pensent la photo. Avec le numérique, cette idée que « chaque photo me coûte » a disparu, et il est certain que la courbe de progression d’un photographe s’est aplanie (sauf s’il suit les Mercredi Pratique de Phototrend ^^).

Une journée fait toujours 24h, et le temps viendra à vous manquer

Au cours de vos escapades numériques, vous prenez toujours plus de photos. Le mode rafale est un petit joyau et il vous évite de rater LA photo qui sera réussie et continuera à vous convaincre que plus de photos veut dire plus de chances de réussir le cliché parfait.

Mais il ne faut pas oublier qu’après avoir branché votre appareil à votre ordinateur et y avoir déversé le flux de photos fraîchement capturées (après un temps plus ou moins long), il est temps de faire une passe pour sélectionner les meilleurs clichés et envoyer à la corbeille tous les déchets, sinon votre disque dur vous rappellera bien assez tôt que son espace n’est pas si illimité que cela.

Mais voilà, même si au moment où j’écris ces lignes de nombreux logiciels de catalogage (Lightroom ou Aperture pour ne citer qu’eux) vous permettent de simplifier et d’accélérer le processus de tri et de traitement de vos photos, cela prend encore un temps considérable à trier ses photos et à faire le bon choix. Imaginons que vous passiez 2 secondes par photo pour dire si oui ou non elle vaut la peine d’être conservée. Avec un paquet de 800 photos prises lors de votre événement sportif, cela fait plus de 1600 secondes, soit 26 minutes à seulement « choisir » ses photos, sans leur appliquer de corrections. Si vous aviez retenu votre fièvre photographique, vous auriez pu limiter ce temps de gestion pour le consacrer à d’autres choses.

A cela il faut aussi ajouter le temps perdu à faire des sauvegardes et à transférer plus de fichiers, ce qui n’est pas forcément significatif à chaque fois, mais accumulé correspond à des heures perdues à faire des tâches « administratives » par rapport à des tâches créatives.

Conclusion

Avant de tirer des conclusions hâtives sur la photographie numérique, je souhaitais tout de même vous rappeler que la quasi-absence de limite dans la prise de vue en numérique a beaucoup plus d’avantages que d’inconvénients, et a permis à de nombreuses personnes de découvrir la photographie sans forcément se ruiner en pellicules photos ou autres matériels nécessaires à la photographie argentique. Cependant, je vous invite vraiment à réfléchir  à tout ce qui a été indiqué dans cet article lorsque vous appuyez sur le déclencheur de votre appareil photo. La photographie est un tout, et le workflow qui se situe après la prise de vue est tout aussi important que la prise de vue.

Alors un petit conseil : lors de votre prochaine prise de vue, passez en mode « single » (une seule photo à la fois) et tentez de vous fixer un nombre de photos maximum à ne pas dépasser par jour ?

Pour aller plus loin :

• Pourquoi ne pas oublier le « Numérique » de Photographie Numérique ?
• Chase Jarvis : avec lui, le Workflow, c’est fun !
• MP #61 : Voyagez au lieu de vous équiper ?

Qu’elle soit optique ou mécanique, la stabilisation permet dans la majorité des cas d’améliorer votre image, comme nous l’avons expliqué dans notre Mercredi Pratique consacré à ce thème.

Cependant, il existe deux types de stabilisation, et Nikon Europe vient de publier un article sur son site montrant clairement dans quel sens ils vont : Nikon privilégie la stabilisation optique à la stabilisation mécanique.

Pour Nikon, la stabilisation optique (dans l’objectif) a 4 avantages par rapport à la stabilisation mécanique (dans le boîtier, au niveau du capteur) :

L’image compensée dans la visée facilite la composition de la photo

Avec la stabilisation optique, le mouvement de l’appareil est compensé à l’intérieur de l’objectif, et lors de la visée, les vibrations sont donc réduites, ce qui facilite la composition et la précision de la mise au point. Si cette stabilisation est effectuée sur le capteur (stabilisation mécanique), l’image dans le viseur ne prendra pas en compte la correction, et pourrait être floue, faussant la composition.

Chaque objectif est réglé de manière optimale pour assurer une correction sûre et précise

Nikon assure que contrairement aux boîtiers qui ne proposent qu’une stabilisation identique pour tous les objectifs, les objectifs possédant eux une stabilisation optique sont réglé et programmé de manière optimales. C’est vrai que le stabilisation d’un 18-200 ne sera pas le même qu’un 400 mm par exemple. Le boîtier ne peut, pour l’instant, pas faire de différence, et traite tous les objectifs de la même manière.

Avec la stabilisation optique, les informations enregistrées par l’AF et le système de mesure sont corrigés automatiquement

Cette différence est importante par rapport aux stabilisateurs mécaniques, et permet d’avoir une mise au point et une mesure d’exposition plus rapide et plus précise.

Les schémas de flou de mouvement ne sont pas les mêmes pour tous les objectifs

Encore une fois, chaque objectif possède des caractéristiques différentes, et la stabilisation présente sur le capteur ne permet pas de prendre en compte ces caractéristiques différentes, notamment en terme de flou de mouvement. Plus la focale est longue, plus ce phénomène est à prendre en compte.

Voilà les arguments de Nikon en faveur de la stabilisation optique. Ces arguments sont tous valides, et je suis également pour une stabilisation optique, même si cela implique des coûts supérieurs, que l’on retrouve notamment dans le prix des objectifs. Pentax, quant à eux, ont parié sur la stabilisation par déplacement du capteur, notamment présente sur le K7. Qui a tord, qui a raison ? A mon avis, c’est un choix personnel, car la stabilisation n’est pas le coeur de la photographie, et n’est utilisée à 100% que dans certaines situations, comme en cas de faible lumière. La stabilisation sur le boîtier permet de ne plus réfléchir à cette question et de s’équiper d’optiques souvent moins chères, voir anciennes, tout en bénéficiant d’une stabilisation.Pour aller plus loin :

• MP #95 : Désactivez la stabilisation optique quand vous prenez des photos avec trépied
• Nikon se lance dans le marché des hybrides avec les Nikon 1 J1 et V1
• Nikon propose un simulateur de focale