Un sac poubelle comme poncho

Le sac poubelle, noir ou blanc, ne coûte quasiment rien, prend très peu de place dans un sac photo, mais se révèle d’une utilité redoutable. Voici les différents usages en photographie que vous ne soupçonnez pas.

Une protection idéale en temps de pluie

Même si on aimerait que cela soit vrai, le soleil n’est pas toujours au rendez-vous lorsque vous décidez de sortir prendre des photos. Certains constructeurs nous assurent que notre boîtier et notre objectif sont traités pour résister aux intempéries, mais je ne mettrai pas mon boîtier sous une pluie battante pour leur prouver qu’ils ont tort. Le sac poubelle, en plastique, sera alors très utile pour protéger votre matériel : facilement sorti, vous pouvez l’adapter à votre appareil pour ne laisser sortir que l’objectif. D’ailleurs, si vous avez du ruban adhésif, vous pourrez fixer le sac autour du pare soleil de votre objectif pour améliorer l’étanchéité de l’ensemble.

Protéger son appareil lors des prises de vue sous la pluie

Si vous prévoyez de faire beaucoup de photos en extérieur, lors de l’achat de votre sac photo, vérifiez qu’il a bien une couverture imperméable que vous pouvez sortir pour couvrir le sac lors d’un orage. Mais en fonction de votre sac photo actuelle, un sac poubelle pourra aussi être utile pour le protéger de la pluie et garder le contenu de votre sac au sec.

Votre sac poubelle pourra même vous servir de poncho, si vous n’avez rien d’autre pour vous couvrir. Un trou pour les bras et la tête, et le tour est joué !

Un réflecteur pour pas cher

Si vous prenez un sac poubelle blanc, vous pouvez même vous en servir comme réflecteur ou diffuseur de lumière pour éclaircir votre sujet. On n’y pense pas forcément, mais parfois cela peut suffire pour sauver une photo. N’oubliez pas également d’utiliser la technique du fill-in (à bon escient).

Un bon moyen de protéger son matériel contre la poussière dans un environnement hostile

Lors d’un changement d’objectif, vous devez bien faire attention à ne pas vous situer dans une zone où des particules de poussière flottent dans l’air, au risque d’en capturer quelques unes dans votre boitier et les voir apparaître sur le capteur. Pour remédier à cela, changer d’objectif dans un sac poubelle (propre bien entendu) fait partie des bonnes idées, tout comme toujours tenir le boîtier capteur vers le bas, pour éviter que des poussières tombent dans votre boîtier.

Restez propre lors de prise de vue dans des angles inattendus

En pleine forêt, le sol est parfois très humide, et si vous décidez de prendre cette photo macro dont vous avez toujours rêvé, mais avec un angle de prise de vue qui vous impose de vous allonger, agenouiller ou asseoir sur le sol, vous ne rentrerez pas forcément tout propre à la maison. Encore une fois, le sac poubelle peut vous sauver la mise et il vous suffira de l’étaler au sol avant de vous asseoir.

Avec un ruban adhésif, scotcher le sac sur le pare soleil pour améliorer l'étanchéité

Un geste pour la planète

Lors d’une journée en forêt, il n’est pas rare que l’on emmène avec soi un petit encas, ou même un gros pic-nic. Dans cet univers naturel, vous devez bien faire attention de ne laisser que des empreintes de pas : cela implique de ramasser tous vos déchets. Votre sac sera ici très utile, et si vous avez une âme écolo, vous pourrez même ramasser les déchets que vous trouverez sur votre chemin.

En conclusion : n’hésitez pas à en prendre plusieurs avant de partir, c’est utile en toutes circonstances ! Si vous avez d’autres utilisations d’un sac poubelle pour la photo, n’hésitez pas à nous en dire plus dans les commentaires de cet article.

Pour aller plus loin :

• Découvrez ce qu’il y a dans le sac photo de Tray Ratcliff (Stuck in Customs)
• Phototrend vous offre vos places pour le Salon de la Photo 2011
• Qu’y-a-t-il dans le sac d’un photographe de guerre ?

Comme moi, vous avez peut-être découvert avec une curiosité mêlée d’émerveillement la caméra Lytro sortie il y a maintenant quelques mois. Pour ceux qui n’auraient pas suivi, les « photos » produites par l’appareil permettent de se passer de mise au point au moment du déclenchement, celle-ci étant reléguée à la post-production.

Les galeries de photo Lytro permettent donc au visiteur de faire le focus lui-même sur la zone qui l’intéresse, produisant ainsi une photo « interactive » qui donne envie de jouer avec. Cette idée de photo « interactive » m’a beaucoup plu et je me suis posé la question suivante : comment réaliser le même effet, moi qui n’ai pas de camera Lytro et qui ai d’autres priorités sur ma shopping-list ?

La réponse est toute simple : en prenant plusieurs photos de la même scène et en faisant à chaque fois le focus sur une zone différente, j’obtiens une série d’images qu’il me suffit d’afficher alternativement au visiteur selon l’endroit où il clique.

Pour vous présenter la technique plus en détail, je me suis empressé de subtiliser les dinosaures préférés de mon collègue et de m’en servir pour peupler mon salon ainsi :

Allez-y, cliquez sur les différentes zones de l’image !

Matériel nécessaire

Il n’y a pas besoin de matériel complexe pour créer cette image interactive, mais certains éléments sont indispensables :

1 – Un trépied

2 – Un Appareil photo permettant :

• Une faible profondeur de champ
• Le réglage de la zone de mise au point

3 – Optionnel (mais recommandé) :

• Un mode manuel (M)
• Shooter en RAW

Prise de vue

Attardons-nous d’abord sur la prise de vue. Il y a 3 points auxquels il faut particulièrement prendre soin :

• Bloquer l’appareil photo sur un trépied.

En effet, il faudra prendre plusieurs photos de la même scène avec un cadrage identique. Vous avez peut-être des bras d’une précision millimétrique, mais ça n’est pas mon cas. Autant maximiser les chances d’avoir un cadrage identique sur toutes les photos, et cela passe par l’utilisation du trépied.

• Définir chacun des plans focaux pertinents et vérifier le cadrage pour chacun des plans.

Soyons réaliste, il est impossible de prendre une photo pour chaque distance de mise au point… Il faut donc trouver les zones où faire la mise au point et qui permettront de couvrir l’ensemble de la scène.

Dans mon cas, j’ai défini une distance de mise au point pour chaque dinosaure de ma scène. Les plans focaux les plus proches ont une profondeur de champ tellement faible que je pourrais faire plus de photos, mais je me suis limité à 5 zones d’intérêt pour cet exemple :

• Passer en mode manuel, et faire la balance des blancs manuellement.

Encore une fois, l’objectif est d’avoir les photos les plus semblables possible à l’exception de la zone de mise au point. Des réglages d’ouverture, de durée d’obturation et de sensibilité identiques permettront d’avoir des photos semblables en terme d’intensité lumineuse.

La balance des blanc manuelle n’est pas vraiment nécessaire (surtout si vous shootez en RAW), mais c’est un plus qui vous permettra d’économiser un peu de temps de traitement si vous pouvez la faire lors de la prise de vue.

• Une fois que tout est paré, il ne reste plus qu’à prendre chacune des photos envisagées.

Evidement on règle l’appareil pour avoir l’ouverture maximale (ie : la profondeur de champ la plus faible), histoire d’avoir l’effet le plus saisissant possible. S’il s’agit d’un zoom, la plus longue focale devrait également permettre d’intensifier l’effet.

Pour ma part j’ai utilisé un équivalent 40mm à ouverture f/1.7 pour cet essai.

        
        

Cliquer sur les miniatures pour les voir en grand

Traitement des images

Le traitement des images est on ne peut plus simple si la prise de vue a été bien faite :

• l’alignement des images est en principe déjà correct grâce à l’utilisation du trépied ;
• les couleurs sont en principe déjà similaires sur toutes les images grâce aux réglages et la balance des blancs identiques.

Il n’y a donc qu’à faire les réglages de base sur l’une des photos, et les dupliquer pour chaque photo.

On obtient alors la série de photos à utiliser :

        
        

Cliquer sur les miniatures pour voir les mises au point

Affichage web

Maintenant que toutes les images sont prêtes, reste à préparer l’affichage web qui garantira l’interactivité de la photo. N’étant pas moi-même développeur Web, j’ai demandé à un ami designer de sites internet de m’écrire un petit script qui aurait les propriétés suivantes :

• pouvoir superposer les différentes images ;
• pouvoir définir une zone de clic pour chaque image ;
• lors du clic sur la zone prédéfinie d’une image, réaliser un fondu enchainé vers l’image.

Il m’a donc écrit un script (MagicFocus) facilement utilisable : vous pouvez le télécharger ici et le mettre sur votre serveur, vous aurez ensuite besoin de l’URL. Et pour ceux à qui le principe de script ne parle pas, pas de panique : il vous suffira de copier / coller la version complète et de changer la source des images et du script pour que cela fonctionne.

Section contenant l’effet

Les images servant l’effet doivent être placées dans une section à part, taillée aux dimensions des images :

Délimitation des zones de clic de chaque image

La délimitation des zones de clic se fait en donnant la position du coin supérieur gauche et du coin inférieur droit de chaque zone de clic dans le champ ‘alt’ de l’image :

Pour connaitre les coordonnées de chaque zone de clic à créer, je suis passé par Photoshop et j’ai utilisé la tab bar « info », qui permet de connaitre les coordonnées de la souris lorsqu’on passe sur l’image (pour avoir les coordonnées en pixel, il faut que les règles soient configurées en pixel également) :

Il me suffit ensuite d’utiliser les coordonnées dans le champ alt de mon image, et ce pour chacune de mes images. dans mon cas, cela donne :

Ajout du scripts

Pour que le script puisse agir sur les images choisies, il est nécessaire de le charger ainsi que ses dépendances de la manière suivante :

<script src="http://code.jquery.com/jquery-1.7.1.min.js" type="text/javascript"> </script><script src="jquery.magicfocus" type="text/javascript"> </script>

Ne reste plus qu’à appeler le script MagicFocus pour enfin voir apparaitre l’effet, et cela se passe de la façon suivante :

Notez que le script est configurable : dans mon cas, la transition entre 2 photos durera 500ms (duration:500) et se fera lors d’un clic de souris (action:’click’), mais vous pouvez changer ces valeurs pour configurer votre effet Lytro à votre guise !

Une fois terminée, voici à quoi doit ressembler votre code HTML :

<div id="DinoLand" style="height: 600px; position: relative; width: 800px;">
<img alt="570, 230, 800, 600" src="url_photo_1" title="titre_photo_1" />
<img alt="0, 0, 800, 200" src="url_photo_2" title="titre_photo_2" />
<img alt="0, 0, 800, 200" src="url_photo_3" title="titre_photo_3" />
<img alt="0, 200, 800, 330" src="url_photo_4" title="titre_photo_4" />
<img alt="0, 330, 800, 600" src="url_photo_5" title="titre_photo_5" />
<img alt="528, 127, 607, 255" src="url_photo_6" title="titre_photo_6" />
<img alt="332, 187, 516, 384" src="url_photo_7" title="titre_photo_7" />

<img alt="34, 256, 340, 535″ src="url_photo_8" title="titre_photo_8" />
<img alt="570, 230, 800, 600″ src="url_photo_9" title="titre_photo_9" /> </div>
<script src="http://code.jquery.com/jquery-1.7.1.min.js" type="text/javascript">
</script><script src="jquery.magicfocus" type="text/javascript">
</script>
<script type="text/javascript"> $(document).ready(function() { $(‘#DinoLand’).magicFocus({duration:500, action:’click’}); });
</script>

Il vous suffit de copier/coller ce code puis de modifier l’url des photos, leurs coordonnées et leurs titres, puis l’URL du script. Attention, WordPress gère mal les guillemets et les transforme. Il faut bien utiliser les guillements  » et non >>.

Pour aller plus loin

Je suis passé assez vite sur l’utilisation du script pour faire simple, mais on peut aller beaucoup plus loin. En effet, sur mon blog, je définis plusieurs zones pour chacune de mes images afin de coller au plus près avec la zone que je veux délimiter.

J’utilise même certaines zones qui se superposent. Dans ce cas-là, mon script considèrera que la zone déclarée en dernier est celle qui est au premier plan (et donc si je clic à un endroit où 2 zones se superposent, c’est la dernière zone définie qui sera choisie). J’utilise cette propriété pour construire mon image de la profondeur de champ la plus grande à la plus petite, en définissant des zones de plus en plus précises.

Par exemple, le fond est défini en 3 zones couvrants toute l’image :

Puis les zones correspondantes à chaque dinosaure sont ensuite ajoutées sur ce fond :

Conclusion

Au final, avec un peu de travail, on obtient facilement les même images interactives que celles proposées par une camera Lytro. Notez qu’il y a quand-même un certain nombre de différences fondamentales :

• l’image doit être soigneusement pensée à l’avance, et nécessite un certain temps de réalisation : impossible de prendre une photo à main levée ou à l’improviste comme c’est le cas avec la camera Lytro ;
• l’effet nécessitant plusieurs prises de vue, impossible également de prendre une photo d’une scène non fixe comme il est possible de le faire avec la camera Lytro ;
• la camera Lytro étant ce qu’elle est, la résolution que l’on peut atteindre avec cette technique est bien meilleure. En pratique, on n’aura jamais besoin d’une résolution supérieure à celle d’un écran soit environ 2Mpx maximum ;
• le nombre de plans focaux disponibles pour le visiteur dépend du nombre de photos qui ont été prises, contrairement à ce qui se passe avec la camera Lytro qui dispose d’une infinité de distances de mise au point.

En espérant que ce tutorial vous donne envie de réaliser vos propres images interactives

Vous pouvez retrouver Yann sur son blog mais aussi découvrir ses photos sur Flickr. Un très grand merci à lui pour sa participation !

Pour aller plus loin :

• Phototrend fête son premier anniversaire
• MP #89 : La photographie infrarouge
• « Le MP » est en vacances

Si vous retrouverez déjà quelques éléments de compréhension dans ces MP, nous avions aussi abordé ce thème en vous expliquant comment calculer facilement votre profondeur de champ. Aujourd’hui nous allons aller plus loin en repartant d’une bonne compréhension de ce qu’est la profondeur de champ mais surtout de comment et quand l’exploiter, avec de nombreux conseils et astuces.

Comprendre la profondeur de champ

La profondeur de champ se définit simplement comme la zone de l’image qualifiée de nette. C’est en général dans cette zone que l’on place le sujet, consciemment ou non.

Le simplement est cependant tout relatif. Si on voit tout de suite la zone nette sur une photo réalisée, la prise de vue peut parfois être un casse tête.  D’un point de vue scientifique, la profondeur de champ est une équation. Les plus forts en mathématiques feront un tour sur Wikipedia pour voir que cette équation est différente en fonction des cas (notamment pour la macrophotographie où le grandissement entre en compte) et impliquent des variables complexes (distance hyperfocale avec en particulier la focale et l’ouverture, distance de mise au point, cercle de confusion…).

Plus concrètement, de nombreux paramètres viennent impacter la profondeur de champ. Voici en résumé les impacts de chaque paramètre (si les autres ne changent pas) :

• Ouverture : le diaphragme a un rôle majeur sur la profondeur de champ et c’est le critère à retenir impérativement. Plus le diaphragme est grand / ouvert (petite valeur, comme f/2, laissant entrer plus de lumière) et plus la profondeur de champ est faible ; plus le diaphragme est petit / fermé (grande valeur, comme f/16) et plus la profondeur de champ est importante.
• Distance avec le sujet : plus vous vous éloignez de votre sujet et plus la profondeur de champ augmente ; à l’inverse, en vous rapprochant, vous vous donnez la possibilité de limiter progressivement la zone nette de votre image.
• Focale : l’impact sur la netteté de l’image est ici indirect. En exploitant les capacités du zoom, nous photographions des images que l’oeil ne pourrait voir que de loin, ne percevant pas le manque de netteté et donc la profondeur de champ réelle. C’est ainsi qu’il faudrait voir le sujet. Mais avec le zoom, notre oeil peut voir ce sujet fortement agrandit : cela diminue mathématiquement la zone de netteté car nous percevons mieux les détails. C’est ce que l’on appelle la distance orthoscopique : nous devrions regarder l’image à une distance supérieure, comme le faisait le photographe avant de zoomer

Un dernier critère plus indirect est important, mais sans entrer réellement dans « l’équation » : la taille du sujet est à prendre en compte lors de votre analyse générale de la scène. Ainsi, plus le sujet est « profond » et plus il vous faudra régler votre appareil pour que tout le sujet soit net.

Comment et quand exploiter la profondeur de champ

Une fois la théorie assimilée, il faut comprendre comment en tant que photographe vous pouvez agir sur la profondeur de champ. En d’autres termes, quels sont les facteurs et les outils pour l’exploiter.

Tout d’abord, l’objectif joue un rôle très important. La focale étant l’un des piliers du calcul de la profondeur de champ, c’est un réglage qui vous sera indispensable pour l’accentuer ou la diminuer en fonction de vos besoins. D’autre part c’est aussi au niveau de l’objectif que vous allez choisir la focale : plus elle sera importante et plus vous diminuerez la profondeur de champ.

Ainsi, nous vous conseillons principalement les objectifs à focale fixe, comme le 50 mm (f/1,8 voir f/1,4) : . Vous pouvez aussi opter pour un téléobjectif : les petits budgets pourront en profiter à condition d’avoir de bonnes conditions de lumière, sinon il faudra investir dans une optique plus haut de gamme, comme le « traditionnel » 70-200 mm à f/2,8.

Ensuite, la distance avec votre sujet doit être pensée en amont : plus vous serez proche et plus vous pourrez diminuer la profondeur de champ. Ainsi, en fonction de  votre image et du sujet, vous pourrez être « obligés » de vous éloigner ou de vous rapprocher pour que votre image ait la profondeur de champ voulue. C’est d’autant plus vrai dans les situations où vous ne pouvez pas changer les autres paramètres, notamment en cas de faible luminosité (diaphragme nécessairement ouvert).

Dans la pratique, il y aura deux situations principales dans lesquelles vous pourrez (et devrez !) tirer parti de la profondeur de champ :

• Le portrait : faire ressortir votre sujet en rendant l’arrière plan flou est exactement ce que permet la profondeur de champ. Avec une grande ouverture par exemple, vous diminuez la profondeur de champ et choisissez que seul le visage sera net. Attention toutefois à ne pas aller trop loin : il ne faut pas avoir le nez ou les oreilles flous !
• Le paysage : dans la plupart des cas nous cherchons à avoir le plus grand nombre d’éléments nets sur la photo. La profondeur de champ doit alors être maîtrisée, justement pour l’éliminer : il faut qu’elle soit infinie, ou presque. C’est en réglant votre ouverture sur une grande valeur, comme f/16 (diaphragme fermé) que vous pourrez avoir la totalité de l’image nette et une photo de paysage réussie.

Dans tous les cas, faites très attention à bien visualiser votre image sur l’ordinateur, en zoomant dans la photo, et ne faites pas confiance à votre écran intégré à l’appareil : une image visualisée sur votre boîtier pourra vous paraître nette alors qu’en réalité un léger flou sera visible une fois la photo à l’écran ou imprimée. Il est cependant possible d’utiliser la fonction sharpening de votre logiciel de retouche pour corriger cela.

Conseils et astuces pour aller plus loin

Avant tout, vous pouvez vous aider d’outils spécialement dédiés au calcul de la profondeur de champ. Il vous suffit alors de remplir certaines données pour que le service vous donne la profondeur de champ exact, soit la distance nette sur votre image. C’est le cas de l’outil DOF Master dont nous vous avions déjà parlé, ou pour les francophones de  l’outil de Galerie Photo.

Il faut aussi utiliser du matériel adapté à votre besoin :

• grande ouverture pour diminuer la profondeur de champ
• zoom puissant pour accentuer le flou

Si vous avez un reflex, vous avez probablement un bouton vous permettant de tester la profondeur de champ. Et c’est d’autant plus pratique lorsque vous êtes en train de photographier et ne pouvez pas vous lancer dans des calculs compliqués !

Concernant le diaphragme, ne perdez pas de vue que les optiques sont rarement les plus performantes aux focales extrêmes comme aux ouvertures extrêmes. Ainsi, si vous avez une optique capable d’ouvrir à f/1,8, elle aura souvent plus d’aberrations à f/1,8 qu’à f/4. Si votre priorité est l’ouverture et la profondeur de champ, alors vous pouvez passer outre, mais si au contraire vous voulez la qualité d’image optimale, soyez plus prudent, n’utilisez pas les extrêmes mais cherchez le sweet spot de votre objectif.

La maîtrise de la profondeur de champ est aussi très utile pour la vidéo, notamment avec la démocratisation des reflex possédant un mode vidéo évolué. En pensant en amont à la trajectoire de votre sujet, vous pouvez prévoir votre besoin concernant la profondeur de champ : une fois l’enregistrement lancé, vous n’aurez pas de mauvaise surprise avec un sujet qui devient flou ou un fond qui lui se fait de plus en plus net.

Bien comprendre et gérer la profondeur de champ va aussi vous permettre de gérer deux techniques photos. C’est le cas d’abord du bokeh : avec une profondeur de champ faible, l’arrière plan est rapidement flou. Cet arrière plan peut alors être travaillé ou exploité pour créer un bokeh grâce aux éléments lumineux devenus flous.

D’autre part, vous pourrez plus facilement réussir le tilt shift (effet maquette). Cette technique se base justement sur la profondeur de champ et l’effet qu’elle peut avoir sur une image en la réduisant au maximum. C’est notamment ce que permet l’objectif à bascule : il permet d’incliner l’orientation des lentilles par rapport à la surface sensible du capteur. Cette inclinaison permet un réglage de la mise au point qui ne sera pas la même sur toute la photo. On aura donc par exemple une image nette au centre de la photographie, et un flou sur d’autres endroits de l’image. Vous comprendrez mieux avec cet exemple : sur cette photo prise avec un objectif, on voit que la profondeur de champ est différente entre la droite et la gauche de l’image.

Autre astuce pour facilement modifier la profondeur de champ sans avoir à toucher aux réglages de votre appareil : il suffit d’éloigner le sujet de l’arrière plan ou à l’inverse de rapprocher le sujet de votre appareil. En jouant sur le placement de votre sujet, en travaillant le premier plan flou, le second plan net et le troisième (ou plus) plan flou à nouveau, vous ferez ressortir votre sujet grâce à la profondeur de champ.

Comme toujours avec les MP, nous avons essayé de simplifier le propos sans dénaturer la théorie pure. Le but reste le même : vous permette de mieux comprendre le fonctionnement de la profondeur de champ pour pouvoir l’exploiter concrètement lors de vos shootings. Nous avons hâte de savoir comment vous exploiter cet élément alors n’hésitez pas à compléter nos conseils photographiques.

Pour aller plus loin :

• La fin des #
• Calculer sa profondeur de champ
• MP #36 : the Golden Hours, les meilleurs moments de la journée pour la photo

Pour vous aider à débuter, nous vous avons concocté une liste des choses à absolument faire avec votre nouvel appareil photo numérique.

Sortez de chez vous et prenez le monde en photo

Il ne fait aucun doute que vous avez déjà pensé à cette idée maintenant que vous êtes équipé. Mais ne laissez pas les jours et les semaines passer. Même si parfois il fait froid, que le temps hivernal ne se prête pas pour vous à la photographie, sortez avec votre appareil et prenez des photos. Avec une batterie chargée à bloc et une carte mémoire prête à recueillir vos premières photos, partez à l’exploration de votre environnement et photographiez-le. Ces moments vont vous permettre de prendre vos premières marques avec votre matériel, de le sentir, de comprendre un peu mieux son fonctionnement, ses mécanismes et sa personnalité. Oui, un boîtier a bien une personnalité, et c’est d’ailleurs pour ça que certains restent attachés à une marque (autant que pour la gamme d’objectifs et accessoires acquis avec le temps).

Au fait, n’oubliez pas de bien régler la date et l’heure de votre appareil.

Lisez le manuel de votre appareil

Maintenant que vous êtes rentré chez vous, vous avez sûrement rencontrés quelques difficultés avec votre matériel. C’est normal et ce n’est pas très grave, car votre manuel est là. Oui, vous savez, ce pavé qui vous a été livré avec votre appareil, et qui de prime abord n’est pas très attrayant. Cependant, le manuel écrit par votre constructeur n’est parfois pas si mal, et vous pourrez trouver la réponse à de nombreuses questions. Bien entendu, si le manuel était suffisant, de nombreux sites photos (dont Phototrend) ne seraient pas là, et après avoir lu quelques pages, vous l’avez vite refermé. Voici juste un petit conseil : ne mettez pas votre manuel au grenier, car si vous avez des questions très précises sur votre matériel, ce sera le premier à pouvoir y répondre. Certains vous diront de l’ajouter à la pile de magazine qui traînent dans vos toilettes, c’est à vous de juger .

Utilisez le format RAW

Si vous venez de l’univers des compacts, le terme RAW vous est totalement inconnu. C’est pourtant une des grandes forces des boîtiers reflex (et de plus en plus pour certains hybrides). Le format RAW est en quelque sorte l’inverse du JPG. Si le JPG est léger et compresse vos images, empêchant toute retouche sans altérer votre photo, le RAW est quand à lui plus lourd, mais garanti un fichier non compressé qui pourra être retouché sans perte de qualité sur votre ordinateur. Pour en savoir plus, je vous invite à consulter notre Mercredi Pratique dédié au format RAW. Pour nous, le RAW a énormément d’avantages, et permettra vraiment de tirer parti du capteur de votre reflex. En revanche, le revers de la médaille sera un temps de traitement plus long qu’avec un simple JPG, alors n’hésitez pas à choisir l’option RAW + JPG pour enregistrer vos images à la fois en JPG et en RAW sur votre carte mémoire. Le JPG sera parfait pour rapidement partager vos photos avec vos amis, et le RAW vous sera utile pour retoucher votre photo et archiver une version « brute » de votre image.

Dites au revoir au tout automatique

Si vous venez de faire l’acquisition d’un reflex, c’est sûrement parce que vous en aviez marre du « tout automatique » des compacts, qui ne vous permettent pas de construire votre propre photo avec vos réglages. Avec votre reflex, la première chose que nous vous conseillons est de fuir le mode « tout automatique ». Très souvent, il est représenté sur la roue de sélection de modes par un appareil photo vert. Attention, ce mode permet d’obtenir des images de très bonne qualité, mais je vous conseille tout de même d’utiliser le mode manuel, ou tout du moins les modes semi-manuels que sont le mode priorité ouverture et priorité vitesse. Selon la marque, ces modes ne sont pas nommés pareils, mais ils permettent de choisir la profondeur de champ (priorité ouverture) ou la vitesse d’obturation (priorité vitesse). Si ces termes sont un peu obscurs pour vous, faites un tour dans notre article explicatif sur le couple vitesse / ouverture en photographie.

Attention, un reflex numérique n’est pas tout puissant

Si vous pensiez que votre nouveau reflex allait vous transformer en photographe professionnel d’un coup d’objectif, vous avez malheureusement tord. Chez certains, il fera sûrement naître une vocation pour la photographie, mais chaque boîtier a ses limites et c’est à vous de les connaître et de les apprivoiser. N’hésitez pas à faire quelques tests dans des conditions difficiles, par exemple lorsque le soleil se couche, ou lorsqu’une lumière artificielle est présente sur l’image. Vous verrez que votre appareil photo se comporte différemment. Dans certains cas, il faudra monter en ISO pour que votre image ne soit pas floue, mais au prix d’une augmentation du bruit numérique, ces petits pixels que l’on voit apparaître un peu partout sur l’image. Ce n’est qu’en poussant son boîtier dans ses derniers retranchements que vous progresserez, alors autant vous y faire tout de suite.

Réfléchissez dès maintenant à votre stratégie de stockage pour vos photos

Le reflex numérique vous fera sûrement prendre énormément de photos, et les images d’un boîtier reflex pèsent bien plus lourd que celles d’un compact (surtout si vous avez suivi notre conseil concernant le format RAW). Alors si vous n’avez pas encore de stratégie de stockage pour vos photos, il vous faudra vous y mettre avant d’être submergé par toutes ces images. Heureusement pour vous, il existe aujourd’hui plusieurs logiciels (gratuits ou payants) qui vous permettent d’organiser et de retoucher vos photos. Parmi eux, Picasa de Google, ou iPhoto d’Apple (si vous êtes sur Mac) sont des solutions gratuites et suffisantes pour débuter. Si vous souhaitez utilisez des logiciels plus puissants, nous vous conseillons Adobe Lightroom (PC ou Mac) ou bien encore Aperture (sur Mac).

Lightroom est actuellement en promotion, profitez-en !

Ces logiciels vous permettront de regrouper vos photos dans un seul endroit, de leurs appliquer des tags et de les organiser afin de pouvoir les retrouver, même plusieurs années plus tard. Il ne faut pas prendre ce sujet à la légère, car vos photos numériques seront sûrement le bien numérique le plus précieux que vous aurez en votre possession. Si vous souhaitez en savoir plus sur comment stocker vos photos, je vous invite à consulter notre Mercredi Pratique sur le stockage, la sauvegarde et l’archivage des photos.

Ne prenez pas trop de photos

Aujourd’hui, avec le numérique, le photographe a en quelques sortes aboli les limites du stockage. Vous pouvez toujours acheter plus d’espace et de disques durs pour stocker vos photos. Attention donc à la boulimie de photos. Un bon photographe est, selon moi, quelqu’un qui sait se limiter et ne pas trop prendre de photos. Voici un article que vous devriez lire, au sujet du manifesto « A Lesser Photographer » de C.J. Chilvers. D’ailleurs, votre boîtier a quand même une limite, souvent méconnue, qui est le nombre de déclenchements garantis par le constructeur. Selon le boîtier (et notamment la gamme), le constructeur garantit un nombre de déclenchements qui se situe entre 50 000 et 400 000. Bien sûr, on ne parle pas de garantie matérielle, mais seulement d’une indication sur la durée de vie de votre déclencheur (c’est une partie mécanique, et donc qui s’use).

Apprenez la photographie avec nos Mercredi Pratique

Enfin, et parce que nous sommes là pour vous aider, je vous invite à découvrir tous les Mercredi Pratique de Phototrend. Ces articles, publiés le mercredi, vous permettent de découvrir chaque semaine un point précis de la photographie numérique. Parfois, il s’agit de techniques photos, de mises au clair de certaines expressions très utilisées en photo mais encore obscures, et d’autres fois de conseils plus pratiques, pour vous aider à appréhender la photographie dans toutes les situations.

Retrouvez dès maintenant tous nos Mercredi Pratique, ainsi que notre ebook photo. Et rendez-vous la semaine prochaine. D’ici là, bonne découverte, et n’hésitez pas à laisser vos commentaires en fin d’article si vous avez des questions précises.

Article inspiré de PopPhoto.

Pour aller plus loin :

• Phototrend est jury pour le concours photo de Monnuage.fr
• Planète Parr au Jeu de Paume
• La rentrée des concours photos !

Cela fait un total de 98 Mercredi Pratique (bientôt 100 !) disponibles dans notre catégorie phare : les Mercredi Pratique.

Les 10 articles les plus lus sur Phototrend en 2011

Grâce à notre outil de statistique, nous avons pu suivre les Mercredi Pratique les plus lus sur Phototrend en 2011. Certains thèmes sont devenus de grands classiques, comme par exemple le bokeh, ou encore la photographie de feu d’artifice, et Phototrend devient petit à petit une source d’information riche pour les photographes en herbe.

Sans plus attendre, voici donc les 10 Mercredi Pratique qui ont marqués l’année :

• Comment réaliser un bon Light Painting ?
• Monter son studio photo maison à coût réduit
• La technique du bokeh, toujours autant appréciée
• Comment prendre en photo les étoiles (ou la lune) ?
• Photographier des gouttes d’eau
• Pourquoi utiliser un pare-soleil sur son objectif ?
• Règles et astuces pour réussir un portrait
• Comprendre et maîtriser l’hyperfocale
• Choisir et bien utiliser son flash
• Comment prendre des photos de feu d’artifice ?

J’espère que vous les connaissez déjà tous par coeur, ou sinon il faudra les relire

Quelques conseils photo pour les fêtes de fin d’année

Comme je disais plus haut, la fin de l’année est très souvent l’occasion de retrouver sa famille, ou bien ses amis et de profiter d’un petit moment de repos avant d’entamer la nouvelle année. Certains d’entre vous auront la chance de trouver du matériel photo sous leur sapin (nous espérons que les guides d’achat Phototrend 2011 vous auront aidé à prendre votre décision), ou simplement trouveront le plaisir à expliquer la photographie à leur entourage.

Pour vous accompagner lors de ces fêtes, retrouvez tous nos conseils pratiques pour vos photos de Noël.

Joyeux Noël photographique !

Pour aller plus loin :

• Des portraits de soldats marqués par la guerre
• Présentez votre projet photo 365 sur Phototrend
• L’oeil du viseur, le monde raconté par ceux qui font la photographie

Penser son matériel

Si n’importe quel appareil photo vous permettra de faire de beaux portraits, certains types de produit sont mieux adaptés. L’appareil en lui même a finalement peu d’impact sur la photo finale : il ne devrait pas être nécessaire de beaucoup recadrer, ce qui limite l’importance du nombre de pixels ; de même, la lumière étant préparée souvent avec soin, la qualité du capteur en basse lumière n’est pas cruciale.

Les optiques en revanche ont un des rôles les plus importants pour bien réussir ses portraits. C’est elle qui va capturer l’image et lui apporter son cachet. Et parmi les critères de choix pour votre optique, le principal est sans conteste l’ouverture.

Venons-en au choix de la focale. Pour vous aider dans votre shooting, il y a plusieurs solutions à utiliser en fonction de votre cadre de prise de vue, de la distance avec le sujet et de l’effet recherché :

• Objectifs classiques à focale fixe : parfaitement adaptés aux portraits (sans être exclusifs), les 35, 50 ou 85 mm sont les objectifs rois de la discipline. Ils offrent notamment un piqué exceptionnel pour un prix « dérisoire ». Et leur ouverture est également un gros point fort.
• Téléobjectifs : ils permettent de s’éloigner du sujet et de plus facilement le faire ressortir du fond. C’est également pratique pour gagner en spontanéité en se faisant oublier du sujet.

Enfin, il ne faut surtout pas négliger tout ce qui touche à la lumière : n’hésitez à relire notre MP au sujet du flash ou encore le MP pour bien monter son studio maison.

Penser son environnement

Réussir un portrait ne veut pas seulement dire réussir la photo d’un visage ou d’une personne, c’est aussi bien l’intégrer – ou non – dans son environnement, exploiter le cadre et l’arrière plan pour mettre en avant le sujet ou faire passer un message, une atmosphère.

Une idée très simple à mettre en oeuvre est de penser à éloigner votre sujet de son arrière plan. Pour la prise de vue, cela facilite la création d’un flou d’arrière plan ainsi que l’augmentation du contraste entre le sujet et l’arrière plan. Ce deuxième point permet par exemple de faire ressortir les différents éléments dans une photo en noir et blanc.

Mais surtout, évitez les distractions. Il faut que l’oeil de votre spectateur aille directement à l’essentiel et qu’il ne se perde pas dans des détails superflus. Et il peut s’agir de petits détails : une couleur qui détonne dans l’arrière plan, un sujet qui bouge au loin, un manque de détachement du sujet principal, des lignes qui éloignent l’oeil du sujet… Et pour le portrait d’une personne en particulier, évitez pas exemple de mettre plusieurs visages !

Penser ses couleurs et sa lumière

Il existe de nombreuses méthodes pour rendre son portrait plus original et le bon usage des couleurs et de la lumière fait partie des éléments pour réussir.

Nous vous conseillons par exemple de pousser les limites de la photographie et de faire apparaître un défaut appelé le flare (une des aberrations optiques). Bien qu’étant une lumière considérée comme parasite, le flare donne un cachet à l’image sans dénaturer le sujet. Il suffit pour cela de placer le sujet dans l’axe d’une forte source de lumière, comme sur l’image ci-dessus. Et certains appareils ont même tendance à le produire naturellement (comme le Lomo).

Vous pouvez également utiliser votre flash lorsque vous risquez un contre-jour non souhaité et/ou que certaines zones du sujet sont dans l’ombre. Cette méthode s’appelle le fill-in et consiste à « déboucher » une image ou plus particulièrement une zone de l’image qui ne serait pas éclairée suffisamment. Si par exemple vous utilisez un fond très clair, vous risquez en contre partie de voir apparaître des zones d’ombres sur votre sujet. Dans certains cas cet effet est souhaité, mais dans d’autres il suffira d’utiliser un flash pour l’éliminer.

De manière générale, il faut trouver des couleurs qui flattent votre sujet, le mettent en valeur. Petite astuce intéressante : complétez la couleur des yeux de votre sujet pour les faire vibrer, avec des couleurs dorées ou sables pour de yeux marrons, ou encore des teintes vertes pour des yeux bleus.

Penser sa prise de vue

Il existe une multitude de manière de prendre une photo pour un portrait, je vais donc me limiter à celles qui nous semblent les plus pertinentes pour réussir son arrière plan et pour avoir une photo originale.

Vous pouvez par exemple utiliser des angles assez marqués. C’est le cas notamment de la plongée ou de la contre plongée : ce sont des points de vue plus inhabituels. La contre-plongée prend le sujet par en bas : dès lors, vous pouvez utiliser un ciel très bleu ou à l’inverse très sombre pour détacher votre sujet. La plongée consiste à prendre l’image du haut vers le bas : dans ce cas, vous pouvez utiliser le sol comme arrière plan.

Mais la composante essentielle reste de créer un beau flou (d’arrière plan évidemment !). Pour bien détacher votre sujet du fond, vous pouvez utiliser différentes méthodes citées précédemment : une optique à très grande ouverture par exemple, ou simplement en éloignant votre sujet de ce qui l’entoure.

Il existe une autre méthode qui consiste à jouer sur l’exposition : pour faire ressortir votre sujet, il suffit en fait que le fond soit très sombre ou très clair. Les appareils photo ne sont pas comme nos yeux et ne sont pas capables d’enregistrer des informations avec une si large gamme dynamique. Concrètement, cela veut dire que si le premier plan sur lequel est fait le focus est très clair, alors le fond paraîtra encore plus sombre qu’il ne l’est vraiment. Cette différence fait automatiquement ressortir votre sujet. Pour réussir, n’hésitez pas à utiliser des objets ou les ombres qui vous entourent et qui pourraient absorber la lumière et avoir un rendu très sombre (ou l’inverse).

Enfin je vous invite à réviser notre MP sur le bokeh : cela peut être un très bon moyen de réussir votre portrait.

Penser… à ne pas suivre ces règles !

Comme toujours, les règles présentées ci-dessus permettent d’avoir une photo bien construite et jolie. Elles sont comme un cadre de travail, un canevas. Si bien les maîtriser va vous permettre de progresser et de prendre de l’aisance dans vos portraits, c’est en les contournant, en les retravaillant, en vous les appropriant que vous ferez les meilleures images.

Dernière petite astuce pour conclure : pensez aux filtres créatifs. Cela peut donner une ambiance totalement différente à une même scène, et vous surprendre au passage.

Tout est dans l

Ne pas toujours détacher l

Ne pas toujours supprimer les distractions

• MP #63 : Quelle mesure d’exposition choisir (multizone, pondérée centrale ou spot) ?
• MP #31 : quelques règles et astuces pour réaliser une photo portrait
• MP #54 : Portraits de rue

Le sujet abordé aujourd’hui, le Camera Tossing, ou encore le jeté d’appareil, n’est pas très populaire auprès des photographes. Peut-être est-ce parce que c’est une technique photographique risquée, ou bien encore parce que les photographes ont l’habitude de prendre des photos avec un appareil dans les mains, et non en l’air. Qui sait.

Avant d’aller plus loin, voici un exemple de photo réalisée avec la technique du Camera Tossing :

Si vous pensez que cette photo est du Light Painting, vous avez raison. Mais ce n’est pas que cela. Nous allons voir dans cet article comment réaliser ce type de photo.

Consignes de base – soyez prudent avec votre matériel

Comme indiqué plus haut dans l’article, le jeté d’appareil n’est pas une technique qui s’adresse à tous, et avant d’aller plus loin, soyez bien certain que cette technique comporte des risques, et que vous pourriez endommager votre appareil (ou bien vous faire mal) si vous ne faites pas attention.

Qu’est-ce que le Camera Tossing ?

Le Camera Tossing (jeté d’appareil) fait partie de la famille des techniques de photographie cinétique (Kinetic Photography), qui, comme son nom l’implique, fait intervenir les mouvements dans la prise de vue. On pourrait dire que la technique du filé fait aussi partie de la photographie cinétique.

Le Camera Tossing consiste à jeter son appareil photo dans les airs tout en l’ayant réglé pour qu’il puisse prendre sa photo en vol. Cette technique est rendue possible par le retardateur et la pose longue. Sans plus attendre, voici comment procéder.

Quel appareil utiliser pour faire un Camera Tossing ?

Certains d’entre vous se sont sûrement déjà posé la question : est-ce que je peux appliquer cette technique photo avec mon appareil photo ?

Comme indiqué plus haut, la seule chose qu’il faut pour pouvoir effectuer un « jeté d’appareil » est un appareil photo (numérique ou argentique) doté d’un retardateur et d’un réglage manuel de la vitesse d’obturation. Les compacts d’entrée de gamme qui ne possèdent que des modes automatiques peuvent également être utilisés avec le mode nuit (et sans utiliser le flash) mais le résultat sera forcément moins convainquant.

Bien sûr, si vous avez un compact et un reflex, je vous conseille fortement d’utiliser votre compact pour prendre ce genre de photos, car vous n’aurez pas besoin des fonctionnalités avancées de votre reflex.

Ok, mais qu’est-ce qu’on photographie ?

Avec le Camera Tossing, ne vous attendez pas à prendre en photo des paysages magnifiques, ou des portraits saisissants. L’élément principal que vous pourrez capturer avec votre appareil sera une forme ou un ensemble de courbes lumineuses. Et oui, quand vous oubliez par mégarde de régler votre vitesse d’obturation lors de vos sorties photos et qu’au lieu de 1/400s vous êtes sur 1 seconde de temps de pose, c’est le même résultat que vous obtenez : des images en surimpression, avec les sources lumineuses qui tracent des lignes assez attendrissantes.

Avec le Camera Tossing, ce sera pareil, et c’est pour cela que je parlais de Light Painting en début d’article. D’ailleurs, il est conseillé de se mettre dans un endroit sombre avec quelques sources lumineuses pour jeter son appareil en l’air, l’effet sera plus réussi. Vous pourrez ensuite par la suite faire cela en plein air, mais les réglages de votre appareil devront changer et votre dextérité à rattraper votre appareil sera mise à l’épreuve.

Les étapes pour réaliser une photo en Camera Tossing

1. Placez vous dans une pièce sombre, avec quelques sources lumineuses (variez les couleurs et les formes si possible) et une surface rembourrée en dessous de vous au cas où l’appareil venait à chuter. Vous m’avez tous compris, un canapé ou un lit sera parfait.
2. Munissez-vous de votre appareil réglé en priorité vitesse (ou en mode nuit avec le flash désactivé) et réglez votre retardateur sur 1 à 2 secondes.
3. Appuyez sur l’obturateur et lancez votre appareil dans les airs. Attention, rien ne sert de le lancer à 1 mètre de haut, d’ailleurs c’est vivement déconseillé si c’est la première fois. Il suffit de lui faire faire des petits sauts dans vos mains et d’évaluer le résultat.
4. Recommencez, recommencez, recommencez.

Si vous n’avez pas compris, voici une illustration réalisée par Frank Chimero :

Quelques astuces pour améliorer votre Camera Tossing

Maintenant que vous avez pu vous confronter à la pratique, le résultat ne sera pas forcément tout de suite au rendez-vous. C’est normal, car cette technique s’améliore au fur et à mesure que vous pratiquerez. Voici quelques astuces :

• Ce qui compte, ce n’est pas la hauteur à laquelle vous lancez votre appareil, mais le mouvement de rotation que vous lui appliquez. Réessayez en lançant l’appareil de manières différentes, et vous aurez des effets et des formes différentes.
• Utilisez des lampes ou des sources lumineuses de couleurs différentes, et de tailles / intensités différentes. Vous pouvez même utiliser vos flashs déportés pour lancer des rafales de flash, créant un effet de filé plutôt réussi.
• Faites vous plaisir. Ce conseil n’en est pas forcément un, mais comme pour toutes les techniques photos que nous vous présentons sur Phototrend, le principal élément pour réussir et de se faire plaisir, et de s’amuser. Laissez libre court à votre imagination, en tentant des choses qui ne sont pas dans cet article, et vous pourrez réussir votre bon Camera Tossing.

Un Camera Tossing en plein soleil, c’est possible ?

Dans cet article, je vous ai volontairement orienté vers le jeté d’appareil photo en intérieur, mais il est bien sûr possible d’utiliser cette technique en plein air, et avec des sources lumineuses plus proche de la lumière ambiante.

En plein soleil, il sera un peu plus difficile d’obtenir un temps de pose long sans obtenir une photo blanchâtre ou brûlée (si vous le pouvez, munissez-vous d’un filtre à densité neutre). La solution sera alors de bien régler son retardateur pour que la prise de vue s’effectue précisément lorsque l’appareil photo est en plein air. Vous pourrez par exemple réaliser des portraits « vus du ciel » ou donner une toute autre dimension à une scène très banale.

Voici un exemple de Camera Tossing effectué en pleine journée :

Un Camera Tossing à la lumière du soleil

Voici quelques exemples de photos réalisées avec la technique du Camera Tossing.

Alors, partant pour découvrir cette nouvelle technique ? N’hésitez pas comme d’habitude à nous envoyer vos photos en commentaire de l’article, et si vous avez des conseils qui nous ont échappé, ils sont les bienvenus.

Découvrez aussi le groupe Flickr Camera Toss pour voir d’autres photos.

Pour aller plus loin :

• MP #59 : Comment prendre des photos des lumières et des illuminations
• MP #39 : Quelques conseils photos avant de partir en vacances
• Utiliser les EXIFS pour prendre les mêmes photos des années plus tard ?

Nous vous présentions hier la technique du Cinemagraph, permettant de donner vie à vos photos en utilisant un Gif animé. La bonne nouvelle est que réaliser un Cinemagraph est à la portée de tous (techniquement en tout cas, seule votre créativité vous limitera).

Matériel nécessaire pour faire un Cinemagraph

Au niveau du matériel, il vous faudra un appareil pouvant filmer (caméscope, smartphone ou votre apn préféré s’il dispose de cette option), un trépied pour la stabilisation et Photoshop (ou consort) pour la réalisation du fichier final. Vous pouvez également prévoir aussi un logiciel tiers de montage pour redimensionner la vidéo,une qualité de 1080p n’étant pas toujours indispensable.

Pour ce MP, j’ai utilisé mon iPhone 4s pour la vidéo avec un support pour le maintenir stable. Pour la production, iMovie m’a permis de redimensionner la vidéo, puis j’ai fait le montage du Gif sous Photoshop CS5. Pensez à cliquer sur les images pour les voir en taille réelle.

Les étapes pour réaliser un Cinemagraph

1. La première étape, après avoir récupéré le fichier sur Mac / PC, est de le redimensionner si nécessaire. Comme je l’ai dit plus haut. J’ai tout simplement utilisé iMovie, où j’ai récupéré la séquence de mon film qui m’intéresse et exporté la vidéo au format 480*272. Bien entendu, Plus votre vidéo a une grande résolution, plus votre fichier gif final sera lourd (si vous gardez cette résolution).

2. Ensuite, ouvrez le fichier avec Photoshop (ou équivalent). Vérifiez bien que la fenêtre animation est ouverte (Fenêtre / Animation)

3. Délimitez la zone de travail et sélectionnez l’image principal, attention ne soyez pas trop gourmand plus votre animation sera longue et plus votre gif sera lourd.

4. Dupliquez le calque de la vidéo et pixellisez le calque le plus bas ( Calque / Pixellisation / Video )

5. Maintenant il faut faire une sélection de la partie qui sera animée. Pour cela vous pouvez utiliser le Lasso Polygonal.

6. Sélectionnez le calque Vidéo et ajoutez un masque

7. Il ne vous reste plus qu’à enregistrer votre film au format web (Fichier / Enregistrer pour le Web et les Périphériques). Il faut bien penser à sélectionner GIF et dans « option de boucle » : Toujours.

Et voici le résultat final :

Voilà, vous savez désormais créer votre Cinemagraph. Vous pouvez partager vos propres créations dans les commentaires. Attention, n’abusez pas du GIF. Et si vous voulez voir d’autres Cinemagraphs, voici le Tumblr If We Don’t, Remember Me qui reprend des scènes de films bien connus.

Pour aller plus loin :

• Le Cinemagraph : le Gif revisité
• Visitez Londres en Stop Motion avec David Hubert
• The Sandpit, une journée à New York City en tilt-shift par Sam O’Hare

Malgré tout, la stabilisation optique (couplée à des techniques pour obtenir une image nette) ou numérique ne remplacera jamais l’utilisation d’un trépied. Ce dernier est essentiel lorsqu’il s’agit de stabiliser votre appareil, notamment en condition de basse lumière où vous devez avoir un temps de pose plus long que le fameux ratio de la vitesse de sécurité « Temps de pose = 1/focale ». Par exemple, je ne dois pas passer en dessous de 1/70s si ma focale est de 70mm au risque d’avoir une photo floue. En condition de base lumière, cette règle n’est pas suffisante pour avoir une photo bien exposée, et vous pouvez avoir recours au flash, ou à un trépied.

Si vous utilisez un trépied, désactivez la stabilisation de votre boîtier ou de votre objectif

Pour quelle raison, alors que cette stabilisation vous permet d’avoir une image plus nette que sans stabilisation ?

La raison est simple : la stabilisation permet de compenser les mouvements du photographe lors de la prise de vue. En utilisant un trépied, couplé à une télécommande ou à la fonction retardateur de votre appareil, vous ne devriez pas avoir de mouvement lors du déclenchement. Dans cette situation, comment le stabilisateur va-t-il se comporter ? Il va tout simplement chercher à compenser des mouvements qui n’existent pas, avec comme résultat une photo floue alors qu’elle aurait pu être nette. N’oubliez donc pas de désactiver le mode stabilisation quand vous utilisez un tripod.

Heureusement, pour les têtes en l’air, les fabricants d’objectifs ont pensé à vous : certains objectifs sont capables de détecter que vous sur un trépied par l’absence de tremblements, et vont alors désactiver la fonction qui stabilise l’objectif. Je n’ai pas la liste de ces objectifs, mais mon conseil est simple : ne jouez pas avec le diable au risque de rater votre photo, et désactivez bien le mode en utilisant un trépied.

Cela vous aidera aussi à préserver votre batterie

Si vous voulez une raison de plus pour désactiver la stabilisation optique, sachez que cette dernière utilise votre batterie pour fonctionner. En désactivant ce mode, vous économiserez peut-être quelques précieuses minutes et éviterez de vous retrouver à plat.

En conclusion, n’oubliez pas de réactiver ce mode une fois votre shopping terminé Je suis dernièrement parti en Autriche, sous un temps bien gris, et avec la stabilisation en off pendant les deux tiers du séjour, et je m’en mord un peu les doigts .

Photo: FlickrPour aller plus loin :

• MP #20 : la vitesse d’obturation
• MP #91 : Pourquoi la stabilisation optique est plus efficace que la stabilisation du boîtier (selon Nikon)
• 4 techniques pour réussir une photo nette

Matériel

1. Appareil: J’ai choisi un appareil numérique compact (Canon G12) dont j’apprécie plus particulièrement les caractéristiques suivantes :

• Le zoom 5x : 6.1 (GA)-30.5 (T) millimètres.
• La plage de mise au point macro : 1- 50 cm (GA).
• Le mode automatique facile mais performant, avec désactivation du flash pour une bonne netteté, y compris des bords, avec fond légèrement estompé, contraste moyen.
• Le format 3×2, bien adapté aux clichés verticaux.
• Le rognage secondaire, pour mieux saisir le sujet.

Ce matériel n’est qu’un exemple et non une contrainte. Il est par exemple intéressant d’avoir une optique avec une meilleure ouverture pour travailler avec une très faible profondeur de champ (et pourquoi pas un bokeh).

2. Trépied : permet un bon cadrage, indispensable pour les vitesses d’obturation inférieures au 1/50e, et pour les petites fleurs rampantes.

3. Retardateur : évite le flou suite à l’appui sur le déclencheur

4. Télécommande à distance : précieuse pour photographier les insectes posés sur les fleurs, des papillons butinant sur les fleurs de buddleia (l’Arbre des papillons) aux abeilles…

5. Pare soleil : indispensable en contre-jour pour obtenir des contrastes fidèles et exprimer la finesse de la structure florale.

6. Capteur et diffuseur de lumière : un parapluie en toile écrue, une surface mate réfléchissante blanche, un miroir… dirigé sur une zone trop ou pas assez éclairée, sont parfois intéressants pour retoucher légèrement un contraste bien localisé au moment de la prise de vue.

Conseils pour la mise en scène 

1. Qualité de la lumière : excellente le matin, au printemps, pour mieux saisir les blancs, la violence de certaines couleurs, la transparence délicate des pétales. Recommandée en fin d’après midi, elle est plus aléatoire, mais séduisante pour souligner la fluorescence de certaines couleurs dans la pénombre (exemple : les roses de France Libre). Le recours au flash est à déconseiller, car il produit des contrastes élevés. Nous vous invitions à jeter un oeil aux Golden Hours, elles s’appliquent aussi aux fleurs.

2. Direction de la lumière : elle joue un grand rôle. Directe sur la fleur, la photo sera facile à prendre, mais elle manquera d’ombre, donc de volume. Le contre-jour est préférable, car il crée du contraste, fait avancer la fleur. Le pare soleil requis dans la partie précédente prend tout son sens.

3. Angle de prise de vue : si les images prises à la hauteur même de la fleur sont à écarter car trop plates, la vision axiale du cœur révèlera un splendide décor, tant dans son tracé que dans ses couleurs. La prise en incidence oblique dominant la fleur et dirigée vers le sol est parfaite pour un bon rendu du volume.

4. Distance : son choix est fonction de la recherche du photographe, du type de fleur… il est judicieux de faire un cliché de la plante dans son ensemble, avant de cibler sur la fleur elle-même, et conseillé de photographier la fleur juste après son éclosion.

5. Champ : si le grand champ permet de situer la plante et ses fleurs dans son environnement naturel, un champ plus petit fera apparaître des détails, parfois très peu visibles à l’œil nu, et sera un point de départ d’images suscitant l’émerveillement, en poussant la puissance du zoom. A ce stade, l’usage de la mise au point manuelle conjuguée au même type de contrôle de l’ouverture et du temps d’obturation, permet d’accéder à des images abstraites, faites de couleurs fondues, sans graphisme précis, très séduisantes pour l’imaginaire de celui qui les regarde.

6. Eléments extérieurs :

• Les saisons : durant l’automne et l’hiver, alors que la floraison disparaît temporairement, les fleuristes offrent au photographe le plaisir de réaliser encore de belles images.
• Le  brouillard, la rosée, les gouttes d’eau… donnent aux fleurs une beauté mystérieuse et un rendu encore plus délicat. Le faible contraste inhérent à ce décor facilite la prise des clichés.
• Le vent, même très léger, peut générer un flou en raison du bougé qu’il imprime aux fleurs. C’est pourquoi il faut employer un temps d’obturation rapide, ou immobiliser la fleur par un moyen disposé hors du champ de prise de vue. Ou encore tenter des effets créatifs, mais pas toujours contrôlés.
• Les insectes, hôtes habituels des fleurs, enrichissent l’intérêt de la photo florale qu’ils animent. Veillez tout spécialement à un temps d’obturation rapide, et si nécessaire à l’emploi d’une télécommande à distance.

7. Macro : les fleurs sont un sujet idéal pour la macro, n’hésitez pas à relire notre MP spécifique et à expérimenter.

8. Saturation et désaturation : avec des couleurs très vives et une palette souvent tout aussi large, le post-traiment peut être un moyen de donner une ambiance différente à vos images.

Fleurs et photographies

L’usage du matériel utilisé ainsi que le suivi de ces conseils devraient permettre l’obtention de bons clichés pour les fleurs polychromes : roses françaises, roses anciennes, roses anglaises, orchidées, iris, pensées, buddleias… ainsi que pour celles à dominante bleue : lavandes, campanules, pétunias…

Pour des fleurs parées de couleurs douces à base de : rose,  bleu, jaune, blanc… la recherche d’une parfaite maîtrise de la qualité et de la direction de la lumière sera la clé pour obtenir de bonnes photos, par exemple avec la rose, le muguet, le lys de la Vierge, l’hellébore, l’œillet d’Inde, l’œillet de Chine…

Enfin, les mêmes conseils seront plus que jamais nécessaires, pour les fleurs à très forte coloration, en particulier le rouge en grande surface ; tel est le cas du géranium, du bégonia, du pavot, du rhododendron… pour lesquels la puissance de la couleur gomme souvent la finesse de l’image. Si vous avez des astuces pour mieux les capturer, nous sommes preneurs !

D’ailleurs, c’est parfois en essayant de trouver des mises en scène étonnantes ou en s’inspirant du paysage que l’on fait des clichés décalés et réussis :

Georges et Roman.

Pour aller plus loin :

• MP #48 : La macrophotographie
• Alexandre Orion, Metabiotics
• MP #59 : Comment prendre des photos des lumières et des illuminations